SONORO PANEGÍRICO

E NO PRINCÍPIO FALTAVA O VERBO... POR RICARDO AVARI

2012-01-26T17:39:00.000-08:00

“Era uma vez a música popular européia. Se casou com a música popular africana e tiveram um filho chamado Blues que, apesar de muito melancólico, era vivaz e inteligente. Porém, não levava muito jeito para a criatividade.

Metade de tudo que Blues fazia era cópia. Ele tinha uma boa idéia, criava cem outras inspiradas naquela, e às vezes elas eram tão parecidas umas com as outras que ninguém percebia a diferença.

Daí veio uma iluminação: e se ele dissesse coisas diferentes de uma para a outra? Afinal, no tempo em que Blues estava mais produtivo, as pessoas tinham inventado uma coisa que substituía a memória, e tudo que Blues cantava era gravado e comparado. Então, Blues começou a colocar palavras contando histórias ou reclamando ou chorando. E essas palavras se tornaram a parte principal do que Blues fazia”.

Bom, vão reclamar que eu disse que blues era pouco criativo. Mas é verdade: o blues é tremendamente repetitivo quanto a suas melodias. Quantas músicas conheces que começam com “TAM-ranranran-Tan... Tum tum, Tum tum, TAm-ranranran-Tan”? Isso faz com que a letra da música seja muito mais importante do que era nos demais gêneros musicais nascidos até então. E isso foi tirado da música folclórica de marinheiros, fazendeiros e demais pobretões do mundo. O Blues criou a letra de música como conhecemos hoje.

Porém, não sofisticou a fórmula. Isso quem fez foi o folk quando se encontrou com o Rock. Um tal de Dylan viu que as letras das músicas eram pouco aproveitadas para expressar opiniões políticas, sociais, de relação em seu nível mais profundo de sentimentos (e deve ter se lembrado que os bardos antigos usavam a música para passar críticas disfarçadamente). Daí ele criou a letra de música poderosa que se tornou o melhor que o Rock pode fazer.

E de repente, todo mundo descobriu o que uma boa letra podia fazer. O pop se apropriou disso. O clássico, a ópera reclamou e disse que ia fazer mais ainda. O blues disse que colocou no jazz e ninguém deu bola. Mas até então a conversa estava equivalente.

Daí o Dylan deu maconha para o Lennon.

Todo mundo discute onde o mundo deu a virada que criou a revolução de costumes dos anos 1960. Foi aí. O Dylan virou para os Beatles e disse que eles tinham o poder de fazer milhões de pessoas pensarem, e não deviam desperdiçar isso só falando de sentimentos, por melhor que fizessem isso.

E logo depois que eles se falaram, os Beatles ruminaram as palavras de Dylan cravadas em suas cabeças (para a versão hilária do encontro, vejam isso: http://www.maniacworld.com/beatles-meet-bob-dylan.html ) e algum tempo depois, deram o salto de qualidade que faz deles a maior banda de todos os tempos.

Logo depois do encontro, lançaram o “Beatles for Sale”, depois o “Help”, mas daí veio o “Rubber Soul”, pouco mais de um ano depois do Bob lhes falar do poder da letra de música. E os Beatles transformaram a música para sempre em algo que tem letra como essência e instrumental como alma. Lennon foi o que melhor aprendeu a lição e não só escreveu o melhor de si na carreira solo como viveu de acordo com o poder de transformar que suas palavras tinham.

Daí se estabelece o Norwegian principle: qualquer banda que se diga ser “A melhor de todos os tempos” deve provar que tem uma música no mesmo nível de Norwegian Wood. Se tiver, tem que mostrar que no mesmo disco tem outras tão boas quanto Nowhere man ou In my life. Daí a gente começa a conversar sobre ela ser boa mesmo.

Por que o assunto? Por que repentinamente discute-se demais a péssima capacidade de criar letras interessantes da música popular de hoje. Esqueceu-se que elas precisavam dizer algo, não só diferenciar uma música da outra. Sem ter o que dizer, são todas iguais.

Um dia, a era em que as rádios tocavam letras como as de Cazuza, Renato Russo e Lobão vai voltar. Pois ninguém vai saber falar se não acontecer logo.

Por Ricardo Avari

Postado Originalmente no http://www.biocenico.blogspot.com/2012/01/e-no-principio-faltava-o-verbo.htmlh

PROGRAMAÇÃO DE ROCK NO CAFÉ PIU PIU - 29/01/2012 - 18h - SP

2012-01-21T13:10:00.000-08:00

Café Piu Piu: http://www.cafepiupiu.com.br/

ATAQUE EXTREMO FESTIVAL - SÃO CAETANO DO SUL - 10/02/2012

2012-01-17T10:31:00.000-08:00

Ataque Extremo Festival.

Dia 10 de Fevereiro São Caetano do Sul vai tremer !!!

Primeira edição deste festival que promete ser grandioso, e vai contar com grandes nomes do Hardcore / Thrash e Death metal de São Paulo e do grande ABC.

Nervosa

Red Front

Heresia 666

Infamous Glory

ChaosLace

ImminetChaos

O evento será realizado no Espaço Cidadão do Mundo Arte e cultura, associação cultural que desde 1996 desenvolve atividades culturais na região do ABC Paulista, e realiza muitos shows de vários estilos musicais e desta vez abre espaço para este grande evento de música extrema.

Data : 10/02/2012

Horario: as 21:00 h

Entrada: R$ 10,00

Endereço: Cidadão do Mundo – Arte e Cultura

Rua Rio Grande do Sul, 73 - Centro – São Caetano do Sul – SP

Prox. da estação de trem e terminais de onibus de São Caetano do Sul

Informações: (11) 9843.6692

Apoiam este evento:

Virtua Rock - www.virtuarock.com.br

Tattoo Garden - http://www.tattoogarden.com.br/

Dark Radio - http://www.darkradio.com.br/

Mais informações: www.ataqueextremo.blogspot.com/

FESTIVAL OFICINA DA ARTE - F.O.D.A - 07/01/2012 - 22h - SP - IMPERDÍVEL!

2011-12-27T08:32:00.000-08:00

Realização: http://palazini.com

PERSONAGEM DO SONORO PANEGÍRICO PREMIADO NO FACEBOOK

2011-12-20T06:02:00.000-08:00

O personagem que deu vida e identidade ao blog SONORO PANEGÍRICO, acabou de vencer uma promoção no Facebook, na página do Chrome Bags Street Art. Criação da designer Akemy Hayashi, o desenho concorreu com outras nove ilustrações/fotografias/montagens, vencendo ao final com 253 cliques! Veja aqui:

Link do Facebook: http://www.facebook.com/chromebagsbrazil/posts/198886330203432?cmntid=198890350203030

Akemy Hayashi no Facebook: http://www.facebook.com/akemy.hayashi

The Suman Brothers Band no Santa Sede Rock Bar - 17/12/2011 - 20h

2011-12-15T17:02:00.000-08:00

Informações do http://www.facebook.com/events/310801028941367/

THE SUMAN BROTHERS BAND

É isso amizade. O ano chegou ao fim. Para uns, 2011 foi lindo. Para outros nem tanto. Para todos, sem dúvida, ele está chegou ao seu momento derradeiro e nós adoraríamos que você viesse participar dessa grande festa de encerramento do ano com a banda dos irmãos Suman!!!

Nesse dia o plano é deixar o Santa Sede Rock Bar mais cheio do que nunca, afinal, o ano também tá acabando pro pessoal do bar e podemos deixá-los mais felizes.

A banda está preparando várias surpresas para essa data tão especial, incluindo coisas novas no repertório e uma performance nunca antes vista pelo seleto público frequentador. Haverá uma grande lista de convidados especiais também. Guitarristas, baixistas, tecladistas, gaitistas, vocalistas... todos os nossos amigos músicos... presenças a serem confirmadas em breve.

Não perca! Vai ter muita calça boca de sino, sapato bico fino, cabelo comprido, guitarra gritando e muito mais, num grande show de rock, blues e tudo o mais.

SANTA SEDE ROCK BAR

O Santa Sede Rock Bar é hoje - sem dúvida - a grande casa de rock and roll da Zona Norte paulistana. Tem sempre boa música rolando, o público é sempre bacana, completamente pacífico e familiar. Dá pra levar pai, mãe e até os avós, além dos filhos, obviamente. Talvez até sua cunhada insuportável e aproveitadora goste de lá!

O preço é justo e a cerveja está sempre estúpida de tão gelada. Também tem uns bons drink, se você quiser, ou uma grande variedade de cachaças de primeira linha.

INFORMAÇÕES

Avenida Luis Dumont Villares, 2104 - Próx. ao Metrô Parada Inglesa

Mais informações: 2639-0259 ou www.santasedebar.com.br

Couvert Artístico: R$ 5,00

Apoie o artista, pague o couvert.

*****ANIVERSÁRIO DA ANGELA MARTINEZ*****

*****ANIVERSÁRIO DO DANIEL MAGRI*****

*****ANIVERSÁRIO DO ROBERTO ABU*****

COMPAREÇA! Isso só acontece no Santa Sede.

"If you ever change your mind about leavin' me behind, bring it to me, bring your sweet lovin', bring it on home to me"

VAMPIRE! - Por RICARDO AVARI

2011-11-30T12:10:00.000-08:00

Em 1987, Peter Tosh lançou seu último álbum: “No Nuclear (holocaust) War”. Em setembro do mesmo ano, foi assassinado por assaltantes, um dos quais ele mesmo tentara ajudar a conseguir emprego após anos preso. Há quem diga que o assassinato foi encomendado, como se diz de todo músico ativista morto. É provável, como é com todo músico ativista morto, que o boato seja verdade.

O que um músico de reggae, estilo associado à paz, maconha, defesa dos direitos humanos e de liberdade de expressão, Sol, praia e Caribe tem a ver com vampiros?
No álbum há uma música chamada “Vampire”, um dos reggaes mais geniais já compostos. Atentemos para o fato de que Tosh é o segundo mais conhecido compositor do Reggae, logo atrás de seu companheiro no The Wailers, Bob Marley. “Vampire” usa a figura do vampiro como um símbolo para tudo aquilo que suga a autenticidade, a leveza, a pureza dos jovens. O vampiro da música é velho, carrega o passado como uma jaula onde prender os que pensam inovadoramente.

A capa do disco mostra Tosh usando uma máscara antirradiação na frente de uma explosão nuclear, e aos seus pés estão bombas, uma americana e outra soviética. O visual do alienígena do filme Predador deve ter sido inspirado nesta capa!
A composição é terrivelmente atual. Enquanto o resto do disco hoje soa datado, Vampire poderia ter sido composta ontem. Não fosse um porém: o vampiro atualmente em moda é um cretino.

Aí entra o assunto. Pra quê vampiros? O vampiro se tornou figura literária popular depois de um surto de casos de vampirismo relatados no leste europeu no século XVIII. As lendas circulavam há tempos, mas bem na época em que o iluminismo destruía a maior parte do obscurantismo medieval, explodiram relatos que colocaram em polvorosa a mente que buscava explicações naturais para tudo que existia. O Vaticano enviou um especialista para descobrir o que acontecia, o padre Calmet, conhecido por sua prudência e cientificismo. E o tiro saiu pela culatra! Seu relato não nega nem confirma acontecimentos sobrenaturais, e torna disponível ao mundo imensa quantidade de dados sobre como é, se combate e se localiza um vampiro.

Sobre o padre Calmet: mais informações aqui: http://www.fafiuv.br/img/noticias/fotos8/calmet.pdf

Em suma, falem bem ou falem mal, mas falem de algo e essa coisa ganha fama. O fim do surto de vampiros iniciou um período de apropriação da criatura pelo imaginário popular, enquanto os livros ganhavam popularização junto às massas. O vampiro acabou, no processo de literarização, perdendo muitas de suas características macabras originais (o vampiro renascentista era mais um zumbi do que um humano) e ganhando contornos do romantismo, pendendo para (pasmem) uma espécie de “Lobo mau”, aquela criatura que sob um disfarce simpático oculta um monstro sedento por aquilo que te faz viver.

O vampiro do romantismo é de certo modo mais assustador do que o vampiro morto-vivo de antes. Nesta época o vampiro ganha ares muito humanos, e humanos são terríveis. E podem andar sob a luz do sol, embora fiquem sem seus poderes sobrenaturais. Hollywood poda esta característica e os impede definitivamente de andar sob o sol, para bem do medo nos filmes. E funcionou tanto que hoje muitos críticos do vampiro purpurina esquecem que o cinema inventou essa do sol-mata-vampiro.

O espaço dos vampiros é conquistado de vez com a publicação de Drácula, e metade do que se fala hoje para estabelecer o que deve ser um vampiro passa por ali. Só que Bram Stocker usa de tanta liberdade mítica para retratar o seu vampiro quanto qualquer autor atual. Não existe UM vampiro modelo.

Conforme passaram os anos, os vampiros se tornaram símbolos de um mal elegante, aristocrático – a burguesia e seu poder sobre os que trabalham? – e sedutor. De onde surge também o fascínio pela idéia de ser imortal, apesar do preço a ser pago, ser monstro para ser imortal. O vampiro é a deturpação da imortalidade da alma. Só que nos anos 1960 (sempre ali) a contestação alcançou também o terror, e o vampiro se torna também algo que vai contra o status quo. E uma autora então jovem absorve a idéia do vampiro como o jovem que vive a noite eternamente. Anne Rice cria o vampiro modernista, que se torna padrão em obras como o seu “Entrevista com o vampiro”, ou em filmes como “Os garotos perdidos” e “Quando chega a escuridão”.

Que filme é esse último, Ricardo? Meu exemplo de bom filme moderno. Poderia ser “30 dias de noite”, “Deixa ela entrar” (objeto desta postagem aqui: http://biocenico.blogspot.com/2009/12/deixa-ela-entrar-mesmo.html) ou “Vampiros, los muertos”, mas esse é desconhecido e merece aplausos.

O sucesso de “A hora do espanto” estimulou uma série de filmes adolescentes. A idéia moderna dos vampiros a lá Anne Rice fez com que fossem retratados como os monstros sedutores das mais diversas situações contemporâneas, desvencilhando de vez o mito dos cenários góticos, e um dos sub-subgêneros que surgiu foi o “vampire-western”, com vampiros que atacavam nos EUA caipiras. “Quando chega a escuridão” é deste subgênero. Não há glamour nestes vampiros. São criaturas sanguinárias, sobrenaturais até o osso, e exploram o gênero dos caninos longos até a última gota.

É dirigido pela então desconhecida esposa de James Cameron, Kathryn Bigelow, hoje oscarizada. Pegou amigos emprestados de filmes do então marido: Bill Paxton, Jenette Goldstein e Lance Henriksen (sensacionais). Mais, os fez atuar como criaturas medonhas, desprezíveis, psicóticas. Retrata o dilema do humano tornado sanguessuga sem frescura. Eles se entregam ao que são, embora saibam de seus tempos como humanos. Em certo momento, a vampira protagonista, que se apaixona por um humano (é, começou longe essa história) dispara ao olhar para as estrelas que quando a luz delas chegar à Terra, ela estará lá para ver. A idéia calou fundo no que penso de vampiros e me fez questionar a validade da imortalidade a esse extremo.

A primeira impressão é só a de que um daqueles grupos de caipiras ultraconservadores armados até os dentes agora tem uma desculpa para matar pessoas sem se preocupar com as balas da polícia, até você parar pra pensar no que acontece. As críticas sociais são equivalentes às de George Romero com seus zumbis consumidores de cérebros, a construção dos personagens milimetricamente pensada, a condução do suspense precisa como um cronômetro, e ao mesmo tempo, o ritmo que anima o filme é apimentado e os diálogos afiadíssimos.

“Quando chega a escuridão”

Enfim, dá para ser moderno, assustador, romântico, crítico, bem escrito e ainda por cima barato com um roteiro escrito por um vivo e não por uma morta-viva sem noção de psique ou construção de personagens. Já disseram muito sobre Crepúsculo, está na hora de direcionar as pessoas para os filmes de vampiro de verdade.

Esses troços são para dar medo, não é?

Por RICARDO AVARI

Postagem original: http://biocenico.blogspot.com/

DAVID GILMOUR NO YOUTUBE

2011-11-24T10:47:00.000-08:00

Se você é fã (ou não) do gênial guitarrista David Gilmour (Pink Floyd) não deve se quer pensar em não ver o canal criado no YOUTUBE, divulgando inúmeros vídeos que contemplam o longo de sua carreira na lendária banda de rock progressivo, bem como os trabalhos solo. Imperdível!

LOBÃO CONVOCA BOICOTE AO LOLLAPALOOZA NO YOUTUBE

2011-11-21T07:56:00.000-08:00

Em vídeo postado por ele mesmo no Youtube, o músico Lobão explica sua recusa em participar do Lollapalooza, e convoca bandas nacionais para fazer o mesmo. Saiba por que.

NOTA DE ESCLARECIMENTO DA EQUIPE DO MÚSICO NO FACEBOOK:

É de conhecimento da imprensa e do público, o vídeo em que o músico Lobão manifesta sua opinião a respeito da forma como os artistas brasileiros vem sendo tratados nos grandes festivais.

O que nos entristece em toda a situação que se formou, é que novamente, se torna mais fácil vender a imagem do Lobão polêmico e lunático do que admitir a situação e dizer que vão corrigi-la.

Para que todos fiquem a par e não reste qualquer dúvida, vamos aos fatos:

- O Lobão foi convidado a participar do evento e até então, toda a negociação correu normalmente.

- O músico, inclusive, se sentiu muito honrado com o convite, afinal, trata-se de um evento o qual ele admira.

- Durante todo o mês de novembro, diversos emails foram trocados para efetivar a participação do Lobão no evento, inclusive, a carta de intenção chegou a ser confeccionada e enviada ao seu agente Jorge Chamon.

A questão: Ficou estipulado que o Lobão iria tocar no dia 08 de abril, às 15H. Até então não haveria problema algum, mas, o músico recebeu a informação de que, todos os artistas brasileiros que iria tocar nos dois palcos principais do festival só poderiam tocar das 10H às 15H e, que horários nobres estavam reservados para os artistas internacionais. Para que não houvesse qualquer tipo de desentendimento, Lobão ligou diretamente para o empresário Sergio Peixoto da GEO Eventos questionando a informação, a qual - infelizmente - foi confirmada.

É importante esclarecer que o músico Lobão e sua banda não teriam problema algum em fazer o show às 15H, desde que houvesse interação entre os artistas nacionais e internacionais e desde que o horário estipulado a ele tivesse uma justificativa plausível, fosse em relação ao cronograma, ou a importância dada ao artista ou mesmo o gênero musical do dia, etc.

O que Lobão não aceita é que os artistas nacionais sejam colocados como segundo plano e que não sejam tratados com o respeito que merecem.

Hoje, segunda-feira, dia 21 de novembro, durante a coletiva de imprensa oficial do evento foi dito em tom de ironia, que a divisão de artistas nacionais e internacionais relatada por Lobão, não iria acontecer, e CONTRADIZENDO o que Lobão havia citado, os artistas brasileiros iriam sim ter um lugar nos horários nobres.

Se esta é a nova decisão do Lollapalooza, nós realmente ficaremos felizes em saber que finalmente as coisas podem começar a mudar no Brasil e que finalmente, mesmo que aos poucos, nossos artistas poderão ser reconhecidos com o valor que merecem.

Torcemos para que a mentalidade dos empresários de festivais comece a mudar e passem valorizem a nossa cultura e a nossa música. Nosso Rock n Roll não fica devendo para nenhum lugar do mundo e merecemos que os artistas de outros países possam nos admirar e respeitar da mesma forma que fazemos com eles por aqui.

O que não podemos aceitar é que os organizadores do Festival Lollapalooza no Brasil não admitam a mudança e/ou reorganização de seu cronograma de apresentação e prefiram divulgar a imagem de um artista – que o próprio evento havia convidado – como um equivocado só porque ele não concorda com a forma de apresentação estipulada.

Acreditamos que esta questão seja de imensa importância para que possamos discutir até quando os ARTISTAS e a CULTURA BRASILEIRA serão colocados em segundo plano.

Lobão aproveita para dizer que está aberto para mais esclarecimentos com a imprensa e lamenta muito a sua não participação num evento tão grande mundialmente, por conta de uma questão tão constrangedora.

Atenciosamente,

Lobão e sua equipe.

Por Regina Lopes

Link: http://www.facebook.com/groups/215515268462902/324545004226594/

THE SUMAN BROTHERS NO SANTA SEDE ROCK BAR - 17/09/2011 - 20h

2011-09-13T17:22:00.000-07:00

LINK: http://www.santasedebar.com.br/index.php?action=listingview&listingID=61

THE WINEHOUSE KEEPS COOL THE DRINKS - POR RICARDO AVARI

2011-07-31T15:12:00.003-07:00

Andei muito pessimista com relação aos rumos da música até alguns anos atrás. De repente, notei que eu só estava olhando para o lado errado. A coisa não está pior do que estava na década de 1980 ou 1990, por exemplo. Porém multifacetado e disperso como está, o mundo musical fica mais difícil de decifrar superficialmente: O Metal está bem, obrigado. O jazz toca em rádios populares! O Soul ganha uma noite só para ele no Rock’n’Rio. Mas para ver o que há de bom é preciso arrastar mais lixo para os lados do que antes, simplesmente por que hoje há muito mais produção do que antes. Caberia saber se a quantidade de coisa boa segue a mesma proporção que seguia em, sei lá, 1979 ou 1991. Só não quero falar de estatística.

Toca uma da porralouca mor dos anos 2000, quando ela ainda tinha carne sobre o pó. “Stronger than me” é uma das boas coisas que a Amy criou quando ainda era dona de si mesma.

Este texto germinou na minha cabeça enquanto eu preparava uma coletânea das melhores vozes femininas desde 1940 para uma das melhores vozes femininas de hoje. Antes disso, uma aprendiz já havia postado em uma rede social um clipe da Adele, outra da nova leva jazzística atual que não faria feio na Chicago dos anos 1940 (e espantou-me alguém de 18 anos postando isso em seu mural ao lado de Lady Gaga ou Rihanna) e um estagiário, há um mês, cantarolava Joss Stone pelos corredores. Sem falar no mar de gente assistindo Hermeto Paschoal na Virada cultural. Hermeto Paschoal, o bruxo incompreensível, é pop!

O assunto cresceu e quando a idéia já estava maturada, com as primeiras linhas no papel, veio a notícia da morte de Amy Winehouse. E se antes o objetivo destas linhas era destacar um bom momento de um gênero que andava elitizado demais, agora é preciso pensar no que pode acontecer com a ida de seu ícone atual mais marcante por causas ainda indeterminadas.

Será como o Grunge, que morreu junto ao Cobain, ou como o Rock Clássico, que expandiu-se depois que Buddy Holly se foi? E indeterminadas sim, pois não repetir aquela revista semanal conservadora que colocou a Cássia Eller como vítima de overdose na capa e jamais pediu desculpas depois que a autópsia revelou que ela estava limpa. Ah, mas é provável que Amy tenha morrido de overdose? Sim, é, assim como é provável que algum executivo de gravadora tenha mandado matar uma artista problemática na simbólica idade de 27 anos para lucrar com seus restos ou ela tenha morrido em uma briga com o namorado.

Pouca antes da afundada que nos deu a onda do forró universitário, surgiu uma teoria: a música está tão ruim que agora só subindo de nível. Claro que a coisa piorou muito depois (vieram novas boy bandas, o funk carioca, sertanojo universiotário, os gangsta de boutique, o emo e o happy rock) e agora realmente parece não haver lugar mais para baixo, e a coisa tende a ir para a única direção possível: para cima.

O novo jazz radiofônico é repleto de levadas pop, soma guitarras aos metais típicos, é cheio de “fulana featuring ciclano” e incomoda os puristas e os acostumados às complexidades harmônicas dos experimentalistas. E continua sendo inegavelmente jazz, o gênero musical que, na prática, abarca coisas tão diferentes que nem deveria ser chamado de gênero musical.

Uma das burocráticas Kate Melua, Norah Jones ou a Joss Stone vão fazer uma reviravolta mágica e tomar o topo agora? Será que Adele vai fazer um megaregime e tocar de umbigo de fora? E como saber se ela foi só mais uma vítima da indústria ou se ela só fez regime por desejar isso há séculos e agora ter como pagar um bom nutricionista e cozinheiros? Vão arrumar uma substituta polêmica na miríade de imitadoras de Amy que surgiu? Vai surgir alguém novo? O novo vai ficar do lado do Mississipi ou de Paris? Chicago ou Londres? Hermeto Paschoal ou Ivan Lins?

O diferencial não é nenhuma destas coisas, e pode ser muito bem ilustrado em uma cena que foi ao ar num tributo de 2005 a Janis Joplin, a blueseira que pegou o Rock e lhe deu whisky para mamar. Joss Stone e Melissa Etheridge subiram ao palco para cantarem juntas. Lado a lado, a belíssima Stone começou com uma versão tecnicamente perfeita e fria de “Cry baby”, e chamou uma careca, linda e rouca (é, quimio tem efeitos colaterais) Melissa para dividirem “Piece of my Heart”. A façanha está aqui:

Não é preciso ser gênio para adivinhar que a técnica ficou para trás da sujeira emocional e gritada. É isso que fez Amy grande. Ela não foi a melhor cantora, a melhor voz, a melhor compositora (e compunha muito bem, coisa rara hoje em dia) ou a melhor sobrevivente. Mas foi a que se esgarçou frente às plateias, que chorou, que cantou mal, que destruiu, que fez força e compôs com alma. Ela trouxe a dor e o deleite que fazem do jazz O Jazz, e os doutores da indústria fonográfica jamais saberão como reproduzir.

Se você quer sabe de onde vem a próxima grande coisa, olha na lixeira. Aquilo que traz o novo e traz sangue para o fadigado quase sempre sai de onde o sofrimento faz a pele endurecer, a expressão se sofisticar, a habilidade crescer, a técnica submeter-se ao ritmo... e as notas saírem carregando pedaços da dor e do prazer de quem as faz.

Publicado por Ricardo Avari originalmente no: http://biocenico.blogspot.com/2011/07/winehouse-keeps-cool-drinks.html

THE BEATLES, SEGUNDO A CIA FILARMÔNICA - QUINTAS-FEIRAS 21H - TETRO JUCA CHAVES

2011-07-12T12:38:00.000-07:00

Continua a temporada da CIA FILARMÔNICA interpretando os grandes clássicos dos BEATLES. As apresentações ocorrem às quintas-feiras, às 21 horas no Teatro Juca Chaves, em São Paulo. Estima-se que mais de 300 mil pessoas já tenham visto o espetáculo, que se aproxima de quase uma década em cartaz.

Tive a felicidade de receber uma cortesia do Bilheteria.com para este belíssimo espetáculo musical. Imperdível!

Bilheteria.com: http://bit.ly/qUYm2

Conheça o trabalho da CIA FILARMÔNICA: http://www.ciafilarmonica.com.br/

CLÁSSICOS DA MÚSICA ERUDITA BRASILEIRA DISPONÍVEIS PARA DOWNLOAD NO DOMÍNIO PÚBLICO

2011-07-10T17:00:00.000-07:00

Um dos mais ricos acervos da cultura brasileira e geral, o DOMÍNIO PÚBLICO disponibiliza além de livros, teses, imagens e vídeos, obras raras da música erudita brasileira. Estão disponíveis trabalhos dos maestros Antonio Carlos Gomes, Francisco Braga, Alberto Nepomuceno, Alexandre Levy, Gláuco Velásquez, Leopoldo Miguez e Luciano Gallet. Além destas, você pode fazer pesquisas por temas e acessar outros tipos de informações e mídia. Para conhecer e baixar, basta entrar no site e fazer os downloads. Vale a pena conferir. É gratuito!

LINK http://bit.ly/qMHpzh

SONORO PANEGÍRICO AGORA TEM A PRÓPRIA CARA! DESIGN BY AKEMY HAYASHI

2011-07-10T11:16:00.000-07:00

Aproveitando a palavra "pan" do termo panegírico (discurso elogioso para personagens ilustres), a ilustradora Akemy Hayashi deu forma ao personagem que representa o conceito de música e contracultura, proposto pelo blog. Recorrendo às características do deus PÃ, o dançarino das florestas, corporificou em trajes de estilo irlandês e com sax, no lugar da panflute (flauta de Pã), dando um ar mais cool ao personagem.

Siga Akemy Hayashi e conheça melhor seu trabalho:

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A imagem concorre atualmente em promoção do Facebook pela CHROME BAGS STREET ART. Para votar entre no link abaixo e clique em "Curtir":

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NOTA RÁPIDA: SHOWS DA BANDA MARAFA BLUES, 8 E 9 DE JULHO/2011 - BARUERI E TABOÃO DA SERRA

2011-07-08T09:09:00.000-07:00

6a feira, 8 de julho, 22h

Mais Café - Rua Fioravante Bartella, 15, Barueri, SP

Sábado, 9 de julho, 15h

Festa de 8 anos do Motoclube Águias TS

Ginásio de Esportes de Taboão da Serra

R. Olímpia Thomaz de Aquino, 0

+ sobre a Marafa:

www.myspace.com/marafablues

www.twitter.com/marafablues

http://www.facebook.com/#!/group.php?gid=146418378734008

www.marafa.com.br

O DESCONTENTAMENTO PROCURA SUAS VOZES, QUEM SE CANDIDATA?

2011-06-23T12:59:00.000-07:00

Raul "pensando" Seixas

Ontem assisti um “cover” de Raul Seixas em um bar rock’n’roll aqui perto de casa. Já vi boas bandas tocando por lá, públicos razoáveis, mas nada que se comparasse ao volume de pessoas gritando as letras e erguendo seus copos aos gritos satíricos de “Toca Raul”. Estava lotado, simplesmente, de fãs.

Claro, eu me incluo. Cantei “Gita” com a emoção de sempre, pedi “Novo Aeon” (e não fui atendido, não é uma música que qualquer um toque e/ou saiba fazer aquele finalzinho rap) e dei risada com “Aluga-se”.

É óbvio que a moda é cíclica, e a música, como fenômeno de expressão, igualmente se repete de tempos em tempos, e acredito que isso tem a ver com a sequência de adolescência após adolescência dos públicos. Sim, montes de pessoas que eram bebês, ou mesmo nem haviam nascido quando Raul Seixas morreu, estavam lá cantando e celebrando a sociedade alternativa. São minoria de sua geração, são, mas existem e não são poucos. Aqueles que cresceram escutando só Strokes ou White Stripes como o máximo de rebeldia se encantam com a mensagem genuinamente raivosa contra o mundo do Raul (eles enxergam o Nirvana como eu enxergava o Led Zepellin, algo lá no fundo da história).

Logo após a morte do Raulzito, na semana do eclipse (para quem não lembra: na música “As aventuras de Raul Seixas na cidade de Thor”, ele cantava que só o entenderiam quando chegasse o dia do eclipse. Pois bem, Raul morreu 2 dias depois de um eclipse total do Sol), ele foi criticado pelo rumo péssimo de sua vida nos anos finais, pelos shows que não terminou de tão bêbado que estava, pela parceria duvidosa com Marcelo Nova e por aí vai. Quatro anos depois, Raul tinha mais fãs do que jamais tivera quando vivo, e essa onda se espalhou de São Thomé das Letras à China. Aí surgiu o famoso grito de “Toca Raul”.

Quando o novo milênio chegou, Raul era ultrapassado, datado, chato. Os fãs se enfiaram no seu nicho, e bandas se recusavam a tocar suas músicas nos bares da vida. Um mês atrás, resolvi dar uma nova chance ao Raul e fui lá desenterrar a pasta de músicas dele do computador.

E estava tudo lá. A clareza crítica, a ironia, a afiada análise social, a filosofia adequadamente profunda para os propósitos de uma música para todos, o tino de fazer música comercial sem ser raso, o desprezo pela alienação, o humor indescritível, a grandeza espiritual, o amor pelo viver livre. O cara foi muito bom no que fez, e quando olhei ao redor, vi que eu não era o único a revisar a atualidade das ideias anticaretice do maluco beleza.

Agora, passados mais de vinte anos desde sua morte, ganha um novo fôlego e público, que sintoniza sua revolta contra a burrice coletiva, a mentalidade politicamente incorreta que não tem sequer a coragem de se assumir fascista, a vida reacionária da classe média agonizante de Higienópolis, a face careta mesmo do mundo. Está mais adequado ao mundo de hoje que seu ex-parceiro, Paulo Coelho.

Senhor Seixas, o mundo evoluiu inegavelmente, não pode impedir sua voz e admite que não pode mais discriminar as pessoas por serem como são, não é mais dividido em duas superpotências, a informação corre para cima e para abaixo em bits, e as grandes gravadoras agonizam; só infelizmente continua merecendo as mesmas críticas hoje que merecia na sua época para aprofundar nesta evolução.

Só espero que suas palavras não tragam a revolução datada que seus fãs adorariam ver.

Por Ricardo Avari

Postagem original no:

http://biocenico.blogspot.com/2011/06/o-descontentamento-procura-suas-vozes.html

THE SUMAN BROTHERS BAND - PALADINOS DOS CLÁSSICOS DO BLUES E DO ROCK

2011-06-20T14:29:00.000-07:00


A banda The Suman Brothers Band: Clássicos do Blues e do Rock

Fico absolutamente entusiasmado e com esperança de que a boa música reine eternamente nos corações rebeldes do blues and rock, quando vejo bandas como The Suman Brothers Band. Um acerto mais do que "na mosca" foi levar meu filho para vê-los duas vezes, agora que ele está enveredando no mundo da música, aprendendo a tocar seu baixo e com a guitarra pronta para ser arranhada. Por que? Simples: o repertório dos caras é absolutamente sensacional! Formado pelos irmãos Chico (guitarra, gaita, violão e voz) e Vitor Suman (baixo e voz) e Pedro Silva (bateria e voz), eles mandam bem demais covers e releituras B.B. King, Muddy Waters, Elmore James, Bob Dylan, Robert Johnson, Crosby Stills and Nash, Cream, The Beatles, Southern Rock em geral, e mais uma seleta de clássicos incríveis. O mais importante e fundamental é que alternam as canções "arquetípicas" com repertório próprio de qualidade inquestionável. Vale apena seguir e conferir a programação de shows pela cidade.

Facebook:

http://www.facebook.com/#!/pages/The-Suman-Brothers-Band/189324964418218

Myspace:

http://www.myspace.com/sumanbrothers

Rock On The Road:
http://www.youtube.com/watch?v=sp6XwW4Xpws

VÍDEO PAPO DE RÁDIO: ESTÉTICA X CONTEÚDO NO RÁDIO, COM FLÁVIO SIQUEIRA

2011-04-08T18:05:00.000-07:00

Uma aula sobre rádio nos últimos 30 anos. Conheça o trabalho de Flávio Siqueira no site http://fsiqueira.com/

Abaixo uma amostra das abordagens que ele faz em sua série de vídeos, disponíveis no Youtube:

SHOW DA BANDA MARAFA BLUES NO CEU CAMPO LIMPO - 02/04/2011 - 15h - #GRATUITO

2011-04-01T15:05:00.000-07:00

Logo da Banda Marafa

Dando sequência a proposta de dar acesso ao blues para todos, a banda Marafa Blues, que tocou recentemente no Céu Uirapuru (em 12/03), estará neste sábado no Céu Campo Limpo. Prestigie e recomente!

SHOW DA BANDA MARAFA BLUES

Data: 02/04 - 15h

Local: CÉU CAMPO LIMPO

Endereço: Av. Carlos Lacerda, n.o 678 - Continuação da Estrada do Campo Limpo.

Site da Banda: www.marafa.com.br

FORTUNA - CANÇÕES LADINAS - SHOW EM 19/03/2011 - CENTRO DA CULTURA JUDAICA (SP)

2011-03-20T17:14:00.000-07:00

A cantora Fortuna, em Paranapiacaba (2007)

Ontem, no Centro de Cultura Judaica, em São Paulo, tive a oportunidade de apreciar gratuitamente o show da cantora FORTUNA, interpretando as chamadas CANÇÕES LADINAS: uma proposta de resgate da cultura e das tradições do cancioneiro ladino (idioma dos judeus provenientes de Sefarad, a Espanha em hebraico). Foram músicas festivas, ritualísticas, românticas e alegres, com ritmos e melodias que desfilavam pelas origens espanholas, árabes, ciganas e judaicas. É inenarrável a força e o peso étnico em cada uma das canções, construídas com intensa pesquisa e dedicação aos ritmos do Mediterrâneo*, fruto da parceria da cantora com seus produtores Iacov Hillel e Lilian Sarkis e os músicos Cesar Assolant (guitarra flamenca), Roberto Angerosa (percussão), Daniel Cornejo (clarinete) e Gabriel Levy (acordeon). Simplesmente belo e valioso.

* Quando empreenderam a expulsão dos árabes em 1492, os reis católicos da Espanha, Fernando de Aragão e Isabel de Castela, perseguiram também os judeus que, como alternativa, se espalharam por toda a extensão do Mediterrâneo, influenciando as culturas por onde passaram (Marrocos, Turquia, Balcãs, dentre outras regiões) . Segundo os estudos da filóloga cubana Maria Rosa Menocal, no livro O Ornamento do Mundo, durante a Idade Média entre 782 e 1492, na Andaluzia, muçulmanos, judeus e cristãos viveram em uma cultura de tolerância, sob o domínio árabe.

Por Adriano Tardoque

INDICAÇÃO DO CD "A SAGRADA SEITA DO ROCK'N ROLL" - THE BLUES RIDERS

2011-03-18T12:57:00.000-07:00

Este segundo CD da banda THE BLUES RIDERS, intitulado A Sagrada Seita do Rock'n Roll, apresenta um trabalho autoral, cujas canções, apesar de recorrer aos símbolos clássicos do rock (existencialismo, crítica social paixões, porres e afins), trabalha de forma conceitual os antagonismos "bem e mal", "céu e inferno", belo e maldito" , evidenciados nas letras e nas citações a Shakespeare e Dante, contidas no encarte (com ilustrações legais de Leonardo Lorena, além de edição de imagens e arte de Henrique Alves). A "cara da banda" fica exposta de imediato na primeira faixa, Amém Rock'n'Roll: "Fui batizado com eletricidade / Sou mais eu sem dó nem piedade / A minha crença mostra bem quem sou / A minha seita é mesmo o rock'n'roll". Formada por Áureo Alessandri (guitarras, violões e autor das letras), Álvaro Sobral (baixo), Augusto Marques (vocal, guitarra, gaita)* e Marcos Rontis (bateria)** , as músicas possuem a estrutura típica do hard rock (estilo setentista), nas faixas Nos Caminhos da Morte, O Bem e o Mal e Dama da Noite e a balada Nos Meus Sonhos. As faixas O Bluesman e Furor, são investidas de grande personalidade da banda no chamado blues rock.
Apesar de algumas pequenas demandas na produção do CD (absolutamente releváveis pois quem acompanha o trabalho árduo de bandas como esta, para gravarem suas obras e que vivem um verdadeiro "mito de Sísifo", empurrando suas pedras até o alto da montanha, para vê-las rolar novamente para baixo!), o som merece ser conferido de perto e prestigiado pois, além de músicos que investem no próprio repertório, os membros do BLUES RIDERS são ativistas e verdadeiros "paladinos" do rock'n roll, participando frequentemente de eventos e festivais pelas estradas a fora. Conheça já!

Por Adriano Tardoque

Para saber mais:

Site - http://www.bluesriders.com.br/

Myspace - http://www.myspace.com/bluesridersBR

* e ** Estes músicos fazem parte da formação do CD. Atualmente, a banda conta com Aless Scaranto (voz e guitarra) e Arthur Castroviejo (Bateria).

Veja a participação da banda THE BLUES RIDERS, no programa TALK SHOW:

SHOW DA BANDA MARAFA NO CEU UIRAPURU - 12/03/2011 - 17h - GRATUITO

2011-03-10T09:11:00.000-08:00

ROCK RARO: COLECIONADOR BRASILEIRO LANÇA LIVRO SOBRE DISCOS

2011-02-16T07:25:00.000-08:00

Press-Release postado por Lester Benga em 20/12/10

Fonte: http://www.osarmenios.com.br/2010/12/so-rock-raro/

Disponível no http://whiplash.net/materias/news_856/120881.html

Colecionadores e fanáticos por Rock acabam de ganhar uma ótima obra de referência para pesquisarem sobre raridades. Se trata do livro "Rock Raro: o maravilhoso e desconhecido mundo do Rock". Escrito pelo colecionador e pesquisador Wagner Xavier (http://www.screamyell.com.br/secoes/rockraro.html), o título traz resenhas e fotos de 352 discos raros, todos de bandas diferentes.

A obra foi produzida em colaboração com o também colecionador João Carlos Roberto, e está sendo publicada pela editora carioca Livre Expressão. Custando R$ 70, é o primeiro livro do gênero produzido no Brasil. Focando a melhor safra do Rock (entre 1966 e 1979), são apresentados textos sobre grupos como Jericho Jones, 2066 & Then, Fuzzy Duck, Fanny Adams, Alamo, Witch, Bonalim e muitos outros, dos mais variados países. Bandas de praticamente todos os estilos praticados na época em questão estão presentes nas páginas: hard rock, progressivo, psicodelia, folk e blues rock. Completando, o autor ainda atribuiu uma nota para cada álbum, variando entre “bom”, “muito bom”, “excelente”, sendo que os 10 melhores são classificados como “diamante”.

O livro pode ser adquirido pelo correio. Basta enviar um e-mail diretamente ao autor: wagner2505@yahoo.com.br.

Sérgio Pereira Couto lançando "HELP - A Lenda de um Beatlemaníaco" no Talk Show - 20/10/09

2011-02-14T16:23:00.000-08:00

Interessantíssima entrevista do escritor e jornalista Sérgio Pereira Couto, no Programa Talk Show, em 2009. Na ocasião, além de falar do tema em que é especialista, às "teorias da conspiração", lançou seu livro HELP - A LENDA DE UM BEATLEMANÍACO, em que um serial killer ataca no encontro anual dos Beatles. Assista e comprove!

INDICAÇÃO DO DVD "UMA NOITE EM 67", DE RENATO TERRA E RICARDO CALIL

2011-01-09T12:44:00.000-08:00

UMA NOITE EM 67 é o documentário dirigido por Renato Terra e Ricardo Calil, sobre a finalíssima daquele que talvez tenha sido o mais emblemático dos festivais realizados na televisão brasileira. O filme tem como mérito apresentar de forma temática, o registro histórico (que acertadamente diz que o festival "mudou os rumos da MPB), além da reunião de depoimentos de músicos, jornalistas e produtores ligados ao evento. Algumas das características fundamentais que marcam a montagem do documentário são:

A concepção "épica" do espetáculo: Paulinho Machado de Carvalho, diretor da TV Record declarou: "Eu sempre achei que os festivais poderiam ser organizados como espetáculos de de luta livre (...) Tem que ter o mocinho, tem que ter o bandido, tem que ter o pai da moça (...) tem que ter tudo! (...) A filosofia na minha cabeça, era mais ou menos assim: organizar um espetáculo e selecionar os interpretes, mais ou menos dentro disso (...) organizar o espetáculo para que ele (...) despertasse maior interesse do público, certo." O constrangimento de Chico Buarque, ao descobrir que era considerado o "mocinho bonitinho", é impagável.

A vaia como "protagonista": Segundo o jornalista Chico de Assis, "este foi o festival onde a vaia chegou ao mais profundo da resposta." Grupos de pessoas, predominantemente jovens, organizavam-se para vaiar artistas e canções. A vítima, convertida em "vilão", pelo público, foi o cantor e compositor Sérgio Ricardo, que já na proposta de um novo arranjo para a canção Beto bom de bola, é achincalhado. Irônico e diante das ameaças de abandonar o palco, canta sem concluir sua música: explode em ira, destrói o violão, atirando-o no público.

A marcha contra a guitarra: Em 17 de Julho de 1967, em plena ditadura, artistas, jornalistas e afins, organizaram uma passeata contra o uso da guitarra elétrica na música brasileira. Gilberto Gil (que participou do ato, convidado por Elis Regina) minimiza o movimento como uma "competição sadia". Caetano Veloso e Nara Leão, revoltados, achavam a marcha fascista. Caetano foi para o palco logo depois, dobrando absolutamente o público reticente, ao lado da banda de rock Beat Boys formada por integrantes argentinos. Gil usou os jovens roqueiros dos Mutantes, em sua apresentação. Eis a Tropicália que chegava...

Nasce a Tropicália: Três anos após o inicio da ditadura militar (1964) e menos de um ano antes do golpe violento do AI-5, restringindo totalmente a expressão e a criação artística, o evento ficou marcado fundamentalmente pelo "parto" da Tropicália, tendo como gestantes Caetano Veloso, finalista com Alegria, Alegria e Gilberto Gil, finalista com Domingo no Parque (junto dos Mutantes) ,que em suas falas nas entrevistas, atribuem um ao outro a "paternidade" (ou maternidade) do movimento.

Vale uma atenção maior, observar que diante da magnitude de tantos fatos, a belíssima canção Ponteio, com Edu Lobo e Marília Medalha, que venceu o festival (abrindo e fechando o filme), passa a ser "um grandioso detalhe", dentro de todo o contexto. Além disso, as falas de Chico Buarque sobre o sentimento de "isolamento e envelhecimento" diante da inovação do tropicalismo de Caetano e Gil, são imprescindíveis para entender-se o contexto em que estes caminharam com suas carreiras.

Nos extras é possível conferir Elis Regina (premiada como melhor intérprete, na ocasião), ainda que lamentavelmente fique resumida a um desentendimento com Nara Leão e certo "desgosto" de Dory Caymmi, pela interpretação "emotiva" que ela deu a sua canção O Cantador (em parceria com Nelson Motta). São mostradas também, outras canções e interpretes como Nana Caymmi (Bom dia), Jair Rodrigues (Samba de Maria), MPB4 (Gabriela), Sidney Miller e Nara Leão (A estrada e o violeiro). Destaco ainda a entrevista curtinha de Johnny Alf, falecido recentemente, que não entrou na edição final mas também pode ser visto nos extras do DVD, juntamente com uma série de "causos", envolvendo artistas, jurados e o público. Imperdível!

Site Oficial: http://www.umanoiteem67.com.br/

Trailer:

Uma Noite em 67 - Trailer Oficial por umanoiteem67 no Videolog.tv.

INDICAÇÃO DE LIVRO: "50 ANOS A MIL", BIOGRAFIA DO LOBÃO, POR ELE MESMO E CLÁUDIO TOGNOLLI

2010-12-13T15:22:00.000-08:00

Lobão: meio século a mil

Recentemente lançada, a biografia do grande músico e apresentador Lobão, intitulada oportunamente de *50 ANOS A MIL* (Editora Nova Fronteira, média de R$ 48,00) é uma jornada "visceral" pelos meandros do rock'n roll, contextualizados das entranhas da sua vida, passando pelas principais transformações ocorridas no país, nas últimas cinco décadas. De uma geração privilegiada que nos deu Cazuza e Renato Russo (além de Júlio Barroso, líder da Gang 90, que ele próprio vê como um "grande cara", talvez não tendo devido reconhecimento pela morte precoce) e, injustamente considerado um nome "menor" dentro do processo, Lobão não fez da polêmica sua filosofia de vida, mas certamente o inverso se estabeleceu. Sofreu perseguições que no decorrer dos anos 80, na pós-ditadura (em que alguns ainda não sabiam como "gerir" questões de segurança), rendendo-lhe prisões e as situações mais inusitadas que se possa imaginar (e que sua incrível memória apresenta!). Estas lembranças, além do livro, proporcionam também momentos com suas tiradas e sacadas nos programas que apresenta (Debate MTV e Lobotomia) além da já antológica entrevista concedida ao apresentador Ronnie Von, a alguns dias atrás. Ainda não acabei de ler o livro, mas por tudo que já representou e representa, Lobão é digno de indicação pelo oceano hiperbólico e de anticonvencionalidade. Para saborear um pouco disso, leia o que escreveu Geneton de Morais sobre no site http://g1.globo.com/platb/geneton/ . Além disso, você pode baixar gratuitamente um trecho do livro e as duas músicas "Das tripas coração" e "Song for Sampa" no site oficial do Lobão: www.lobao.com.br.

AGENDA DE SHOWS DO MARAFA BLUES - DEZEMBRO 2010 A FEVEREIRO 2011 - IMPERDÍVEL!

2010-12-13T12:26:00.000-08:00

Via e-mail por Daddy Mallagoli - daddy.mallagoli@gmail.com

Próximos shows da Marafa Blues:

Dezembro

Dia 16, 5a - St. John's Irish Pub, no Tatuapé - detalhes no flyer anexo.

Dia 29, 4a - Festa de fim de ano no Magnólia Vila Bar, na Lapa. Músicos: tragam seus instrumentos, pois encerraremos com uma jam! A partir das 21h30.

Janeiro

Dia 14, 6a - Café dos Bancários, no Edifício Martinelli (centro), das 20h às 22h pontualmente.

Dia 26, 4a - Festival Quarta Blues no Magnólia Vila Bar, às 21h30.

Fevereiro

Dia 5, sábado - Mais Café Rock Bar, em Barueri.

Fotos do festival Jingle Blues, realizado pela subprefeitura da Pompeia no início de dezembro:

http://picasaweb.google.com/jorge.mirandajr/101205MarafaBluesAtPompeia#

Mais fotos, vídeos, agenda e informações: www.myspace.com/marafablues

A @marafablues está no Twitter e tem um grupo no Facebook: http://www.facebook.com/group.php?gid=146418378734008

Comentem, acessem, apareçam!

bjs,

Daddy

INDICAÇÃO DO ÁLBUM "WELCOME TO ROCK GENERATION" - REDUCERS

2010-12-10T07:08:00.000-08:00

Usando a filosofia desta banda espanhola, REDUCERS para falar deste álbum "Welcome to Rock Generation": cinco canções que revelam as características do que deve ser o punk rock, com um pouco de rockabilly, acordes básicos, letras jogadas e os vocais viscerais. Sem frescura, com porrada!

Baixe GRÁTIS! - http://www.jamendo.com/br/album/64122

Por Adriano Tardoque

SHOW DO RAÍCES DE AMÉRICA - 16 E 17 DE DEZEMBRO - SESC IPIRANGA

2010-12-10T06:41:00.000-08:00

INDICAÇÃO DO ÁLBUM "DOUBLE PENETRATION" - THE DECOMPOSERS

2010-12-09T10:50:00.000-08:00

Segundo informações que constam no site da banda, este segundo álbum do THE DECOMPOSERS, intitulado sugestivamente de "Double Penetration", faz um mix de punk, psicodelia, rasta , industrial e gótico. Lançado após dois anos de trabalho, é considerado uma resposta para a crítica, que julgava a banda apenas mais uma imitação de nomes como Nick Cave e Mike Patton.
Particularmente, gostei do som, pela diversificação dos estilos musicais abordados nas faixas (o que faz muita gente torcer o nariz). Da pegada mais agressiva de "Sweeping a sun", passando para a atmosfera indie de "Metaphrast" e "Useless Sun", e as faixas retrô "Spell on You", "Secret place" e "Way Back Home", pode-se conferir a personalidade da banda na exploração de vertentes diferentes, ainda que tenham atribuído uma sonoridade pesada com pitadas cômico-caóticas nas canções "Billy the Bone", "Lovely Ripper" e "I Was A Wing", indicando talvez a "cara" do trabalho para os próximos álbuns. O mais interessante disso tudo, foi criar um álbum com a temática da pornografia, refletindo sua relação com a vida do ser humano, e como eles mesmo dizem, sua "influência sobre as mentes, corações, mãos e outras partes". Somente a proposta, por si, já e dona de entusiasmados créditos. Agora, deixe que "penetrem" em você e diga se foi bom...

Baixe GRÁTIS! - http://www.jamendo.com/br/album/70608

Site Oficial: http://www.the-decomposers.com/

Por Adriano Tardoque

PAUL McCARTNEY AGRADECE AOS FÃS DO BRASIL E ARGENTINA COM VÍDEO OFICIAL

2010-12-04T09:06:00.000-08:00

Em gratidão aos fãs de Brasil e Argentina, Paul McCartney fez um vídeo (que está disponível para download no seu site oficial http://www.paulmccartney.com/news.php) com cenas dos shows nos países, ao som de "Here today". Confira

PAUL McCARTNEY - UM DIA EM MINHA - SHOW DE 22/11/2010

2010-11-24T10:45:00.000-08:00

No palco, Paul interagiu com o público e emocionou com clássicos dos Beatles e Wings.

Era dia 03 de dezembro de 1993. Paul McCartney tocava pela segunda vez no Brasil e pela primeira vez na cidade de São Paulo. No show, no estádio do Pacaembú, uma multidão realizava o sonho de ver, ao vivo, um ex-Beatle, uma entidade absoluta da história do rock e da música mundial. Eu estava lá. Em algumas horas de show, uma verdadeira tempestade de lembranças, sentimentos, emoções e ideias, voaram por minha mente. Mas de uma delas não me esqueci, jamais: "Queria, um dia, poder mostrar isso para meu filho!" - pensei de solavanco. E a vida, em seus dias e canções, caminhou.

Eis que, em 11 de setembro de 1996, meu filho nasceu. E nos poucos e intensos anos que vivemos juntos, inúmeras foram as vezes que dormiu, embalado por alguma melodia dos Beatles, cantada em forma de sons diversos, sem letra, mas cheias de amor. Hey Jude, A day in the life, Lucy and Sky whith diamonds, Yesterday, Let it Be, The long and winding road... E algo assim, jamais passa desapercebido: o inconsciente do ser humano sempre está ligado e captando, processando e promovendo...

Chega 22 de novembro de 2010. Passaram-se quase 17 anos desde que vi o Paul, pela primeira vez. E na segunda vez, estava escrito em algum lugar, seria acompanhado do meu filho, o Gabriel. O mesmo que meu "delírio" no show de 1993, revelou em pensamento. Num e-mail, dias antes, a mãe dele lembrou: "Você está realizando um sonho, não é?" Um nó na garganta, foi a resposta. A euforia e a ansiedade cresciam, desde o dia da notícia que anunciava a vinda do mestre. A loucura da compra e retirada de ingressos; o apresentação do dia anterior, transmitida em partes pela TV, dando vontade extrema de ir; a chuva que fechava sobre a cidade e caia sarcasticamente, exatamente na hora do rush; a gripe e corpo dolorido; a fila infindável ... Tinha que ser épico!

Gabriel, André e eu. Amar os Beatles me proporcionou duas coisas nesta vida: pessoas incríveis e situações inesquecíveis

Os melhores amigos que fiz nesta vida, nasceram basicamente de uma afinidade que vinha acompanhada da pergunta: "Você gosta dos Beatles?". O Ricardo, amigo de duas décadas, companheiro da cruzada do show de 1993 estava com sua mãe, em algum lugar, aguardando o início do espetáculo, com a fome do tamanho da minha. O Marcão mandou mensagem no celular , dizendo "Eu queria estar aí!"; o Renato - que não sei se estava lá - foi lembrado pelas vezes que tocava Magical Mistery Tour no violão... O André, amigo a dois anos que, como eu, ama os Beatles e os Rolling Stones, cavava entre as milhares de pessoas, uma trincheira para nossa fixação. Descobrimos que estávamos lado a lado, quando fomos abençoados por Bob Dylan e os próprios Stones em 1998, no Ibirapuera. Nada jamais será por acaso.

A homenagem de Paul para George Harrison: emoção plena

Luzes apagadas, Paul entra em cena. Simpatia absoluta, com olhares, brincadeiras e uma forcinha para falar português. Interagindo o tempo inteiro com o público, destila sua arte e história nas canções que imortalizou com os Beatles e Wings. Eleva o público ao ápice da emoção, quando homenageia George Harrison, tocando uma versão de Something. Cada átomo de matéria num raio de dez quilômetros do estádio do Morumbi, se emocionou. Meu filho olhava as luzes e imagens, além do esforço para ver o "polegar" Paul McCartney, lá no distante palco. Descobria as vibrações e sensações do seu primeiro show de rock. Sentiu o que não se explica, quando as explosões de Live and Let Die levaram fogos e pessoas para o espaço. Tinha que ser assim. O abraço que me deu ao se despedir e agradecer pelo show, causou-me tanta emoção quanto foi ouvir o "Macca" tocar The End para fechar o show e dizer "Até a próxima!" Ah, Paul, meu amigo... Sempre me deu tantas alegrias vividas e memoráveis! Como seria bom eu poder mostrar tudo isso, um dia, para o meu neto... Como seria...

LOU REED'S METAL MACHINE TRIO - SHOW EM 20/11/2010 - SESC PINHEIROS

2010-11-21T06:04:00.000-08:00

http://veja.abril.com.br/noticia/celebridades/lou-reed-fara-sessao-de-autografos-em-sao-paulo

O show apresentado por Lou Reed com sua Metal Machine Trio (juntos desde 2008), ontem, dia 20 (haverá outra apresentação hoje), para a Mostra Sesc De Artes 2010, não foi convencional. Os anúncios do espetáculo davam conta do trabalho que Reed lançou originalmente no ano de 1975, em manifestação de ira contra a gravadora de quem se desvinculava. Metal Machines Music, remasteurizado e relançado em abril de 2010, foi recolhido das lojas trinta e cinco anos atrás e chegou a ser considerado por alguns como "o pior disco de todos os tempos." Era constituído de um apanhado de experimentações sonoras ao redor das distorções da guitarra do "Transformer Man". Mesmo assim, diante destas informações, todos os ingressos foram vendidos em apenas uma hora, semanas antes.

Como é habitual, faltando meia hora para começar o show, algumas pessoas abordavam quem chegava com um discreto "tem ingresso aí?" e olhares de "eu não posso perder isso!" Nos primeiros 15 minutos de apresentação, o "discreto charme da burguesia", com seu público básico do "come sardinha, arrota caviar", sedenta por "eventos culturais" que lhes permitam mostrar que "são parte" dos que consomem "códigos intelectuais diferenciados", levantava das cadeiras e, com ares de decepção, abandonava o teatro, entre as distorções de um sintetizador comandado por Sarth Calhoun e um sax que oscilava levadas doces com explosões de ruídos soprados por Ulrich Krieguercom. Lou Reed, dançava seus dedos pela guitarra, empreendendo seus riffs, solos desconexos e slides. Uma imbecil retirou-se e com ar de revolta e gritou em direção ao palco um insosso "Fuck you!", como se tivesse sido "enganada". Em menos de meia hora, mais de cinquenta pessoas haviam abandonado o barco (e privaram outros cinquenta que ficaram do lado de fora, desta "viagem"). O acesso a informação não é, por si só, um remédio para a ignorância.

Aparentemente frágil e abatido, o pequeno Reed agradeceu ao público pela presença e não se retirou sem antes presenteá-lo no bis, com uma simples e "sofrida" versão guitarra e voz da canção I'll Be Your Mirror*, do Velvet Underground. Anti-convencional, provocativo e questionável, como sempre foi LOU REED.

*"When you think the night has seen your mind

That inside you're twisted and unkind

Let me stand to show that you are blind

Please put down your hands

'Cause I see you"

LOU REED site oficial:

http://www.loureed.com/00/index.html

SOBRE O SHOW:

http://entretenimento.r7.com/musica/noticias/lou-reed-faz-show-de-barulho-em-sp-20101121.html

JELLO BIAFRA & THE GUANTÁNAMO SCHOOL OF MEDICINE - SHOWS EM 05 E 06 DE NOVEMBRO/2010

2010-10-17T09:31:00.000-07:00

Os shows de JELLO BIAFRA & THE GUANTÁNAMO SCHOOL OF MEDICINE, nos dias 05 e 06 de novembro em São Paulo são IMPERDÍVEIS! Explico . Ex-vocalista e líder da antológica banda punk DEAD KENNEDYS, Jello Biafra representa não somente atitude musical underground, mas o posicionamento político (ou apolítico, como queiram), raramente tratados de forma enfática e agressiva nos meandros do rock, principalmente neste momento em que a cena musical roqueira, sobretudo brasileira é vítima do "retardadismo'n roll" qua a indústria tem enfiado "rabo acima" dos "coloridos" adolescentes, cada vez mais desprovidos de crítica e visão de mundo. Pioneiro, Jello lançou sua própria gravadora já em 78, tentando fugir do sistema. Em 79, numa empreitada além da linha da ousadia, candidatou-se a prefeito de San Francisco (a eterna "Barbary Coast"), ficando em 4o lugar com 6.591 votos). Dentre suas plataformas, vislumbrava uma lei que proibia a circulação de carros pelo centro da cidade (o que as grandes capitais do mundo estão refazendo como "novidade") e os chamados Conselhos de Bairro com a função de julgar a a atuação política. Pois é... Loucos e ÉTICOS punks!

Em entrevista ao jornalista André Barcinski, no início dos anos 90, Jello demonstrou interesse e conhecimento da história recente do Brasil: Collor - "Imagine que o Clint Eastwood seja eleito presidente. É a mesma coisa." ou "Como está a floresta amazônca?" e ainda "A Globo ainda monopoliza a informação no país?". É colecionador inveterado de discos ("Sou a Imelda Marcos dos LPs, e não quero que ninguém saiba disso."), inclusive brasileiros , sendo admirador de Dodô e Osmar, Mutantes, Antonio Adolfo, Moraes Moreira, 14 Bis e Milton Nascimento. Sobre a careira solo de Rita Lee, dispara: "Seus últimos discos são um lixo. ela hoje me lembra a Grace Slick (Jefferson Airplane), uma dessas hippies que vai morar numa linda casa na floresta, mas que bota uma grade eletrificada em volta, pra ninguém chegar perto."

Segundo Barcinski, em 1986, estava tudo certo para o Dead Kennedys vir ao Brasil, mas a banda acabou antes. Agora, então, temos uma nova chance de ver parte desta história.

Por Adriano Tardoque

LIVRO: Barulho - Uma viagem pelo underground do Rock Americano, de André Barcinsk. Editora Paulicéia. São Paulo. 1992.

HANGAR 110: http://www.hangar110.com.br/

Jello Biafra & The Guantánamo School of Medicine - Youtube:

INDICAÇÃO DO CD "KEY BLUES!!!" - ADRIANO GRINEBERG

2010-10-12T09:27:00.000-07:00

Adriano Grineberg é mais uma constatação da excepcional cena de músicos brasileiros de blues. Pianista, organista e vocalista, está frequentemente ligado aos trabalhos de inúmeros músicos, tanto nas gravações em estúdio, como no suporte dos shows ao vivo. Neste álbum chamado Key Blues!!! é apoiado por Edu Gomes (guitarra), Rodrigo Jofé (baixo) e Sandro Grineberg (bateria e backing vocals), apresentando belas releituras de clássicos como I Cant't Be Satisfield (McKinley Morganfield / Muddy Waters), Rock Me Baby (B.B. King) e Baby Please Don't Go (Big Joe Willians), dentre outras. Grineberg é um grande pesquisador do gênero Blues, o que tem possibilitado aos apreciadores da música, não só prazerosas audições, mas o acesso a informações históricas por meio das canções, a exemplo do seu trabalho com o guitarrista Vasco Faé, no CD Ao Vivo no Photozofia (2007), que dá ao público a oportunidade de conhecer "fósseis" bluseiros como Blind Lemon Jefferson, Charley Patton e Leroy Carr, além de ótimas composições próprias de Faé. Obrigatório conhecer e explorar.

Myspace Adriano Grineberg: www.myspace.com/adrianogrineberg

Site Vasco Faé: www.vascofae.com.br

Participação do PROGRAMA DO JÔ:

Por Adriano Tardoque

INDICAÇÃO DE ÁLBUM "ENTRE O MÉXICO E O INFERNO" - CRACKER BLUES

2010-09-13T12:34:00.000-07:00

Influenciados pelo chamado Southern Rock, com larga experiência na execução de clássicos como Robert Johnson, ZZ Top, Jimi Hendrix, The Allman Brothers, Stevie Ray Vaughan, dentre outros, a banda CRACKER BLUES, formada por Paulo Coruja (vocal e gaita), Paulo Krieger (baixo) Marcelo Vera (Guitarra), Jeferson "Gaúcho do Trovão" (bateria), Larissa Di Nardo e Fernanda Tizano (backing vocals), partiu para o próprio repertório com este ótimo primeiro álbum (oficial) intitulado ENTRE O MÉXICO E O INFERNO, de 2009. A proposta de fazer um blues-rock bem humorado surte grande efeito, com a música "carro-chefe" Velha Tatuagem (disponível no site para download!) que, sem dúvida alguma, tornou-se a marca registrada da banda. Destaque para Whisky Cabrón (também disponível gratuitamente no site), Blues do Inimigo, Que o diabo lhe carregue ("...e lhe pague um bom café") e o hino redentor dos outsiders Oração para um ordinário. Sonzeira de primeira!

Site oficial da banda:

http://crackerblues.com

Entrevista no PROGRAMA TALK SHOW - JUST TV:

http://www.youtube.com/watch?v=o6LYJ9qKVhE

INDICAÇÃO DE ÁLBUM "THE BUTCHER'S BALLROON" - DIABLO SWING ORCHESTRA

2010-09-07T18:44:00.000-07:00

Frequentemente na lista dos 10 mais do Jamendo, "The Butcher's Ballroon", álbum da banda suéca Diablo Swing Orchestra impressiona, sobretudo pela fusão de ritmos como boogie, clássico , rock progressivo e Heavy Metal, agradando aos ouvintes mais criteriosos em relação as execuções harmônicas dos instrumentais e as técnicas do vocal lírico feminino (tendência que perdura a uma década e meia no chamado Heavy Metal Melódico). Balrog Boggie, Heroines, Zodiac Virtues e Pink Noise Waltz são músicas ótimas! Bem legal!

Baixe GRATUITAMENTE: http://www.jamendo.com/br/album/49216

A banda no Myspace: http://www.myspace.com/diabloswingorchestra

INDICAÇÃO DE ÁLBUM "DARK ROOM" - HOT FICTION

2010-08-30T20:10:00.000-07:00

Blues'n Rock do estilo "setenteira", este álbum da dupla inglesa Andy Yaeoh (bateria) e Simon Miller (guitarra), tem uma pitada underground, sobretudo na gravação simples e "suja", proporcionando a naturalidade do vocal e instrumentação, baseada em guitarra e bateria (a lá Withe Stripes). Destaque para as ótimas Start it Off, If I Head a Girl, All my love in vain e Autumm Girl. Pegue sua cerveja e curta numa boa!

Baixe GRATUITAMENTE: no JAMENDO: http://www.jamendo.com/br/album/71656

Site Oficial: http://www.hotfiction.co.uk/

INDICAÇÃO DE ÁLBUM "YOUR REALITY" - STEEP

2010-08-28T14:27:00.000-07:00

Site oficial da banda: http://www.steep-music.de/

Grata surpresa do rock germânico, a banda STEEP surge com um som de ótima qualidade, pautada em grande performance coletiva. Suavidade mesclada com peso, numa autêntica trilha sonora para os outsiders contemporâneos. Neste trabalho de 2007, Your Reality, é impossível não se deixar levar por Fly With Me, Like This e Forbidden.

Para baixar o álbum GRATUITAMENTE, acesse o Link: http://www.jamendo.com/br/album/5283

INDICAÇÃO DO ÁLBUM "KILL ME AGAIN" - CREIX

2010-08-11T17:01:00.000-07:00

CREIX passeia pela mente de um Serial Killer, em trabalho musical

Neste interessantíssimo trabalho Kill Me Again, CREIX (do editor e compositor Coudray Vincent) nos conduz a passeio pela mente de um psicopata, desde o surto homicida ao desfecho do desejo de morte. Sons de tortura, gritos, atmosferas confusas e agonizantes, formam uma "decomposição" musical, cuja a apreciação requer uma atenção e disposição diferente do convencional. É a chamada "antiarte" trabalhada nos caminhos sonoros. Experimente!

Fonte Jamendo: http://www.jamendo.com/br/album/69278

Mais obras de CREIX: http://www.jamendo.com/br/artist/creix

INDICAÇÃO DO ÁLBUM "ALPHATIER" - THE JIMMY HOFER BAND

2010-08-06T07:47:00.000-07:00

Ao mesmo tempo com uma vibração intermediária entre o hard rock e punk rock, que faz lembrar a lendária banda de Detroit MC5, The Jimmy Hofer Band com grande vitalidade e atitude, desfila verdadeiras "bombas sonoras" em seu álbum "Alphatier". Destaque para as ótimas Draconian Saint, Asshole Rocket e Got de Blues. Um soco real e imediato!

Confira e baixe, GRÁTIS! Link: http://www.jamendo.com/br/album/67282

Por Adriano Tardoque

THE DOORS - COM QUASE UMA DÉCADA DE ATRASO, O FILME É LANÇADO EM DVD (08/08/2009)

2010-08-04T18:13:00.000-07:00

Finalmente, após dezoito anos do lançamento do filme nos cinemas, The Doors, de Oliver Stone é lançado em dvd, pela Sony Pictures. O box contem dois discos: o primeiro com o filme que apresenta versões de áudio e legendas em português (aleluia!) e o segundo com extras de produção, cenas excluídas, locações e depoimentos, todos estes relacionando o casting com a própria trajetória da banda. Surpreendente é ver no verso da capa do dvd, um selo da APCM (Associação Anti-Pirataria Cinema e Música), ao lado da indicação “não recomendado para menores de 18 anos... contém: conflitos psicológicos, violência, sexo e consumo de drogas”. Deixando a questão da censura para outro momento, The Doors – O Filme é um dos casos clássicos em que os responsáveis pelos direitos do filme “clamaram” pela pirataria. Levando-se em conta o papel do longa em seu período de lançamento, seu sucesso junto ao público, impulsionado pelo forte apelo comercial da indústria fonográfica que “re-descobria” o rock, levar quase uma década para tal lançamento foi, no mínimo, burrice! O filme foi interminavelmente copiado em vhs e dvd! Algo óbvio, uma vez que o fã de cinema e rock certamente desejará tê-lo na estante, tamanha sua importância. O duro é saber que só foi permitido o lançamento agora, em vésperas da transição do atual formato para a tecnologia blue-ray (que já dispunha do título, bem antes).

O “SOLDADO CONHECIDO”: OLIVER STONE

Todas as vezes que você souber do lançamento de um filme do cineasta Oliver Stone, jamais deixe de observar o contexto de acontecimentos históricos, pelo menos nos cinco anos anteriores a sua estreia. Quando tomou as telas em 1991, o The Doors tinha como pano de fundo principal, no contexto norte-americano, a Guerra do Golfo e, no panorama mundial, os “cacos” do Muro de Berlim. Eternamente contrário ao “sonho republicano” dos grandes mandatários da política do Tio Sam (indústrias armamentista e petrolífera – ambas necessárias para se fazer guerras), Stone recuperou sua memória atormentada de ex-soldado no Vietnã (já explicitada por ele de forma impressionante em Platoon, de 1986 e Nascido em 4 de Julho, de 1989), quando em meio às alucinações de dor e terror, se entregava ao delírio e sensualidade da poesia de Jim Morrison. Portanto não havia um período mais indicado para a efetivação de uma obra cinematográfica que retratasse toda a rebeldia embalada pelo bom e velho rock, do que aquela que unia no “Rei Lagarto”, a síntese da loucura psicodélica, libertação sexual e pluralidade de crenças dos anos 60. Mas, não foi somente isso...

Stone, quarto da esquerda para direita: ex-soldado no Vietnã e cinema 100% contextualizado

A INDÚSTRIA FONOGRÁFICA: SEMPRE ELA!

Com as bandas de Seattle, metendo os pés na mídia dos anos 90, dominada por Michel Jackson e New Kids On The Block, um filão de bandas chamadas “antigas”, voltaram a dar o ar de sua graça [1]. No respiro que o rock conseguiu dar neste contexto (e desde os anos 50 sempre foi assim!), fosse com pseudo-punks, hard-farofa, old-new-ages ou dinossauros jurássicos, novamente passou a ocupar seu lugar nas alturas. O período marcava a transição dos LP’s (ainda amados por alguns), para os CD’s. Com o sucesso do filme “biográfico” (Stone não aceita essa idéia) de Jim Morrison e banda, a indústria fonográfica (sempre ela!) arregalou os olhos e durante pelo menos cinco anos consecutivos, lançou dezenas de títulos, fossem estes da discografia original ou ao vivo, não somente do The Doors, mas de todos os ícones do rock dos anos 60 e 70: The Beatles, Rolling Stones, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Led Zeppelin (apenas para citar alguns). Dos porões das gravadoras, surgiram centenas e milhares de gravações “inéditas”, conversas entre músicos, vídeos, fotos perdidas, textos manuscritos, etc, que rechearam os encartes e disquinhos prateados no decorrer dos próximos 15 anos.

OS ANOS 90, CONSTRÓEM SEU “MITO”. E DEPOIS?

Tendo seu fôlego retomado, o rock requisitou aquilo que tanto fez na sua trajetória sexagenária: construir mitos. Mais importante do que as bandas que retomaram suas atividades e fizeram shows pelo mundo, o marco da década foi o suicídio de Kurt Cobain que, aos 27, encontrou a morte, objeto de tanto fetiche do “xamã” Jim Morrison. Depois disso, nada mais foi igual no rock. Nem mesmo o atual revival dos anos 90, com bandas retornando a ativa e fazendo shows, tem empolgado. A geração dos “2000” está no fim e não foi capaz de se quer produzir um mito. Assim, é possível entender às tantas e infindáveis manifestações a Michael Jackson, na sua recente partida. Começo a imaginar que as gerações vão se perdendo pela sua incapacidade de gerar mitos, característica essa que marcou o cheiro do espírito juvenil. This is the end...

Trailer: http://video.br.msn.com/watch/video/kurt-cobain-o-diario-de-uma-ausencia/d3fiw1j0

[1] Este tema está mais detalhado aqui neste blog em dois textos:
O TEMPLO DOS CÃES - APÓS QUASE 20 ANOS DA SUA EXPLOSÃO, O GRUNGE ESTÁ SEPULTADO EM SEU ''ANTI-MOVIMENTO''
http://sonoropanegirico.ning.com/profiles/blogs/o-templo-dos-caes-apos-quase
TEMPLO DOS CÃES II: VENDILHÕES
http://sonoropanegirico.ning.com/profiles/blogs/templo-dos-caes-ii-vendilhoes

Para saber mais:

Filme recente sobre Kurt Coubain - Retrato de uma Ausência (2007):
http://cinema.uol.com.br/ultnot/multi/2009/07/30/0402386CDCC18346.jhtm?trailer-do-filme-kurt-cobain--retrato-de-uma-ausencia-0402386CDCC18346

ADEUS DENNIS HOPPER, MEU AMIGO AMERICANO (31/05/2010)

2010-08-01T11:21:00.000-07:00

A imprensa, com sua filosofia "reducionista" que dá verbetes e manchetes rápidas sobre determinados temas, tratou a morte de Dennis Hopper como a de "mais um hollywoodyano" que abusou do álcool e das drogas, desprezando o caráter inovador e inquietante da sua obra. Hopper inovou ao lado da equipe (sobretudo Peter Fonda) com quem desenvolveu e produziu o clássico das estradas EASY RIDER , trazendo ao protagonismo dois delinquentes motoqueiros, que efetuam uma venda de cocaína e partem para o Mardi Grass, carnaval de New Orleans, dinamitando o "sonho americano". Não tinha a mesma genialidade, mas estava completamente inserido na nova geração de cineastas como Martin Scorcese, Francis Coppola, Alan j. Pakula, Sidney Lumet, Robert Altman, dentre outros. Disposto a promover ideias e pessoas, participava de filmes de amigos, prestigiando o trabalho destes, sempre que podia. Foi um grande incentivador das artes plásticas, fosse com exposições das próprias obras ou produzindo outros artistas, o que inclusive lhe valeu um convite para o filme BASQUIAT, em que interpreta um profissional do meio da produção artística, ligado a Andy Warhol. Uma figura excêntrica que deixará saudade.

Fichado pela polícia: subvertendo ao extremo

Mais sobre Hopper:
http://www .lpm-editores.com.br/blog/?p=1244#comment-134

http://g1.globo.com/pop-arte/noticia/2010/05/slash-e-katy-perry-fazem-homenagens-dennis-hopper.html

INDICAÇÃO DO CD "A FELICIDADE.EXE" - ÉLIO CAMALLE (10/09/2009)

2010-07-31T10:07:00.000-07:00

O músico Élio Camalle acaba de lançar seu novo CD, A Felicidade.exe. O trabalho conta com 14 canções, que perpassam as temáticas do amor, reflexão e memória, com a pegada Mpb-Pop e ritmos regionais, equilibrando-se em cada uma das faixas.A música que dá título ao trabalho, apresenta uma sutil constatação (ou contestação) do que é “ser feliz”, colocando sua posição de “não se dar por satisfeito” entre os ritmos dos “... sambistas, mc’s, torcedores e funkeiros” que se atropelam em proporcionar a alegria no dia-a-dia: “Quem tem bunda rebola, quem tem dente sorri. Essa é a nossa escola!”. Assim, a sentença de sua idéia salta no pensamento: “Felicidade é uma droga que invadiu esse país”. A canção Programa apresenta com singular apropriação (incrivelmente pouco explorada pelos compositores atuais) do uso dos termos ligados a estrutura física dos computadores e internet, simbolizando ações e sensações do cotidiano: “Eu quis até fazer um download da situação, salvar em MP3 o amor que a gente fez...”. Em Balada Perdida regrava a bela composição de sua autoria, que faz referência a Espanhola, de Sá & Guarabyra, tendo sido gravada anteriormente por Sonekka, no bom CD Agridoce (2007). A efemeridade da busca de uma paixão se apresenta em Caso (“hoje eu quero um caso, que case com o dia de hoje”), no melhor estilo blusinho. Além de tudo isso, seja pelo Xóte (Chilique e resto), batida Reggae (Neguinha Monamour) ou no lamento sertanejo (Amplificador), Élio Camalle busca na sua intimidade dos ritmos e letras, aproximar o universo das suas sensações comuns, ás dos seus ouvintes, tendo a música como ambientação para esta troca, que ocorre com simplicidade e eficiência. Conheça!

Site: www.camalle.com
Myspace: www.myspace.com/eliocamalleoficial

Por Adriano C. Tardoque

INDICAÇÃO MUSICAL: DUO ANACONDA - NÃO ESCONDA SUA MÁCULA

2010-07-29T12:22:00.000-07:00

Trabalho interessante pela crueza e ousadia da proposta, apesar de deixar a sensação, para "ouvidos viviados" de que uma produção mínima, forneceria um resultado mais vibrante. A relação do "rural" brasileiro com pitadas de folk e blues, casados na viola caipira acompanhada de um pandeiro, transparece nas canções tecidas com poesia e até um certo "tom" filosófico. Destaque para "Let it hurt", "Senhor, Deus dos desgraçados", "Herb" e a bela "Semi Árido".

Página no Jamendo: http://www.jamendo.com/br/artist/Duo_Anaconda

Baixe o álbum GRATUITAMENTE: http://www.jamendo.com/br/album/42542

Ouça também o improviso de "Ab Libitum": http://www.jamendo.com/br/album/42564

PESQUISA SOBRE O GRUNGE - PARTICIPEM! (10/01/2010)

2010-07-29T10:14:00.000-07:00

Nirvana - Expoente máximo do Grunge

Saudações caros (as) amigos (as),

Comecei neste mês de Janeiro/2010, uma pesquisa relacionada ao GRUNGE, movimento do final dos anos 80 e primeira metade dos anos 90, cujos resultados pretendo converter em artigos e possível publicação em livro. Quero contar com sua ajuda para responder algumas questões que serão de fundamental importância e relevância para o trabalho.

Desde já, conto com seu apoio. Muito obrigado!

Responda as Questões e envie para: adriano_tardoque@yahoo.com.br

Adriano C. Tardoque

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COPIE AS QUESTÕES ABAIXO OU BAIXE EM DOC-WORD NO LINK: Pesquisa 10 músicas do Grunge e-mail.doc

As questões são:
1) Quais são as 10 (dez) principais canções do GRUNGE, nos anos noventa? Não é necessário colocar em ordem de relevância (fica a critério de cada um). Coloque o nome da música e da banda. Observações:

a) É importante que a música tenha feito sucesso, pois configura uma abrangência maior do alcance do movimento;
b) Pode ser mais de uma música por banda;
c) Se não se recordar de 10 músicas, aponte o número maior que puder.

Música 1:
Música 2:
Música 3:
Música 4:
Música 5:
Música 6:
Música 7:
Música 8:
Música 9:
Música 10:

2) Qual é a sua banda preferida do GRUNGE e por qual motivo prefere esta banda? Observação: Se não for um gosto musical de acordo com o que prefere, indique a banda que acha mais lhe chamou (chama) atenção, neste contexto.
Resposta:

3) Que contexto social (nacional ou internacional – política, cultura, artes, moda, etc) você associa de imediato ao período do GRUNGE, sobretudo os 3 (três) últimos anos da década de 80 e os 5 (cinco) primeiros anos da década de 90?
Resposta:

NOME:
IDADE:
PROFISSÃO:
E-MAIL:

VEJA O "GUITAR HERO - KURT COBAIN"
<a href="http://video.msn.com/?mkt=pt-br&brand=v5%5E544x306&from=sp&vid=0621451c-7bba-466d-b02a-1372af414dab" target="_new" title="Guitar Hero 5: Kurt Cobain">Video: Guitar Hero 5: Kurt Cobain</a>

O POP ACABOU... MAS AINDA TEM ROCK'N ROLL! - Por RICARDO AVARI (02/07/2009)

2010-07-29T09:53:00.000-07:00

Na foto ao lado, de 77, Michael Jackson estava começando sua carreira solo. Chuck Berry, após amargar um período de ostracismo (embora ele nunca tenha parado de tocar, os anos sessenta até início dos 70 deixaram sua carreira de molho) voltava aos palcos como lenda, um símbolo de uma era onde a música mudou o mundo.

O novo e o velho não se encontraram muitas vezes depois disso. Chuck já havia revolucionado o mundo e não se pode esperar mais de alguém do que isso. Michael o fez alguns anos mais tarde, em escala menor, com "Off the wall" e, mais um pouco depois, com "Thriller".

O Pop perdeu seu rei, e demorou demais para isso. Jackson, se quisesse partir por cima, deveria ter morrido logo após o lançamento de "Dangerous", seu último álbum de estúdio bom de cabo a rabo, o último importante. Michael Jackson deixou o mundo dia 25 de junho de 2009, com mais de uma década de atraso. Nesta hora extra, ele foi acusado de pedofilia, fez um disco sofrível, virou atração de circo e faliu. Não que tenham sido anos perdidos: "Scream,", "They don´t care about us" e pelo menos um filho (há uma discussão sobre qual filho é geneticamente seu) serviram para mantê-lo vivo de forma produtiva.

O retorno de MJ estava previsto para daqui há uma semana. A série de 50 (!) shows na Inglaterra traria o rei de volta após o período de reclusão, dívidas e colocaria suas finanças em ordem, sua estrela no topo e seu nome de volta ao Olimpo de onde caiu, deixando lá Madonna como única sobrevivente de uma era de ouro do pop. Se Madonna pode, dizia-se, ele poderá. Mas ela faz exercícios, cuida da saúde e é implacável como mulher de negócios, a anos-luz da ingenuidade de MJ, seus 42 quilos e toneladas de analgésicos.

Mas se Madonna pode, é por que ela sim entendeu o que fez Chuck Berry estar na ativa aos seus 83 anos. OITENTA E TRÊS!!! Eu Vi Berry no estádio do Pacaembu, em um show memorável, ao lado de Little Richard no extinto festival "Free Jazz". Já contava com quase 70 anos. Vi Mike Jagger saltitar pelos palcos. Vi Steven Tyler ensinar a molecada do Poison e dos Red Hot Chilly Peppers como se dá um show.

Chuck Berry vai fazer uma série de shows no Brasil este ano. E ele virá, pode ter certeza. Ele não vai morrer na véspera. Nunca ganhou tanto dinheiro quanto Michael, mas também se envolveu em um caso de pedofilia (a diferença é que Chuck Berry estava com uma adolescente de 16 anos e realmente esteve envolvido com ela, enquanto Mj nunca teve sua culpa provada).

Chuck Berry também teve problemas financeiros, mas escapou de sua condenação de sonegação de impostos fazendo shows atrás de shows, com ajuda de gente do naipe de Keith Richards e Eric Clapton nestes. Passou sua fase de chapado, de esquecido, de lenda reclusa, e hoje em dia faz show carregando apenas sua guitarra no avião: Sempre encontra uma banda nos países onde toca que conhece suas músicas.

Chuck Berry sobreviveu pois foi um negro que trouxe um estilo de música novo? Sem Chuck, o mundo nem mesmo seria como o vemos hoje, mas não foi isso. Isso na verdade podia tê-lo matado. As barreiras que ele enfrentou foram muito piores que as de Michael Jackson, e ele sobreviveu a elas até surgir alguém que rompesse com as barreiras seguintes.

Jerry Lee Lewis também fará shows no Brasil este ano, e ele tem aproximadamente a mesma idade de Chuck Berry, e passou pelos mesmos calvários (no caso de adolescente dele, foi um casamento, e com a própria prima de 13 anos). E continua na ativa, e eu pretendo ir vê-lo para completar o currículo de shows...

Michael Jackson deixa saudades, mas o que o matou foi o excesso de fama. Foi o excesso de entronização, de aceitação de suas esquisitices. Ele precisava ter sido criança quando criança, para poder ter tomado as rédeas de sua vida quando adulto.

Mas daí, talvez, não teríamos o gênio que ele foi.

HEITOR VILLA-LOBOS NA WEB (21/06/2009)

2010-07-29T09:46:00.000-07:00

Villa-Lobos: obras que buscam a "identidade brasileira"

Localizado no Rio de Janeiro, o Museu Villa-Lobos foi criado em 1960, com a responsabilidade desde então, pela coleta, manutenção, preservação, estudo e de todo tipo de material relacionado à vida e obra do maestro, cuja obra fundamental na busca de uma identidade nacional brasileira. Livros, folhetos, teses, monografias, separatas, cadernos, anais, periódicos e hemeroteca, até correspondências e diversos tipos de documentos textuais foram recolhidos. Ainda em construção, a página do museu na web busca disponibilizar ao público alguns itens deste vasto material, sobretudo as obras, partituras e arquivos de áudio, podendo assim constituir-se como um grande instrumento de pesquisa e aprendizado. A iniciativa conta com o apoio do IPHAN e Ministério da Cultura. Visite e confira:
http://www.museuvillalobos.org.br/

Por Adriano C. Tardoque

MEU MP3 ESTÁ RISCADO! - Por RICARDO AVARI (19/06/2009)

2010-07-29T09:43:00.000-07:00

Pois é, seu computador já pulou em uma música?
A coincidência de dois fatos em meu universo musical esta semana me trouxe até aqui. Primeiro, ganhei um toca-discos. Vitrola! Três-em-um! Eu não tinha um há uns bons anos (quase uma década?) E meus vinis estavam apenas guardando pó no armário, esperando, qual fênix, por uma nova chance.

Não joguei fora parte de meus discos bolachões por uma questão sentimental. Não sou exatamente contrário à inovação de formatos, embora ache horrível a perda de identidade do artista que um arquivo baixado em mp3 pela internet cause, já que não existe um encarte e uma capa de disco com a qual ampliar o universo sensóreo de uma música. Mesmo assim, despachei pencas de Cd´s e vinis desnecessários de minha casa com o advento da música por computador.

Quantos discos você não comprou por uma ou duas músicas que prestavam? E foi em uma dessas que esta semana eu baixei uma música oitentista do Robert Palmer, "Addicted to love" (lembram do clipe que irou as feministas?). Eu jamais compraria um CD do Palmer. Por uma música legalzinha dos momentos de saudosismo infaltil, não vale o restante do álbum cheio de sonoros grudes açucarados, a um preço absurdo. Tampouco eu encontraria uma coletânea que prestasse com a música. Então, baixei. E a faixa veio... riscada! Quem a passou para mp3 o fez direto de um disco de vinil, com direito a chiado antes da música começar e a tripla repetição de uma frase do começo. Senti a raiva de quem transportou a música para o computador. Senti a frustração de quando eu ouvia meu disco favorito com um risco causado por uma bobeira qualquer. Quantas boas lembranças disso!

Na mesma hora, peguei o toca-discos e montei-o. Peguei o genial "Bricks are heavy" de L7, uma das bandas subestimadas da era grunge, e matei minha saudade do gesto de colocar a agulha sobre os sulcos e esperar a música começar. Me surpreendi comigo mesmo quando depois da sexta faixa me irritei ao pensar em "como assim já acabou?" (O que um CD de mp3 com seis horas direto sem parar não faz com a gente...). E peguei um disco de Bop que comprei há alguns anos e jamais ouvi por falta de hardware adequado! Seguiram-se Faith no More, Psychedelic Furs, a trilha sonora de "La bamba"...

Lá pelo quarto ou quinto vinil, mais surpresas: um risco em "I love rock´n´roll" de Joan Jett and the Blackhearts. Devo ter gasto esta faixa quando comprei o disco, e ela nunca mais será a mesma. Mas deixei. Deixei pular seis ou sete vezes antes de ir até o disco e dar aquele clássico "empurrãozinho" para saltar o risco e continuar a música, com a mesma mecânica habilidade de outrora. Meu próximo passo será ressuscitar as fitas K7 da gaveta.

Hoje, li que a Pitty vai lançar seu terceiro disco e vão prensar uma edição em vinil dele para colecionadores. Vai custar os olhos da cara. Mas como membro da geração que, também, escuta Pitty, acho que vou considerar seriamente comprá-lo (depois de alguns meses de encalhe, quando ficar um pouco mais justo) pela simples paixão pelo formato.

O vinil nos lembra da efemeridade da arte. Do quanto uma obra artística é volátil, de que a obra morre para deixar espaço par ao novo. Hoje, nos tempos de eternização da obra pela miríade de formatos e cópias espalhadas por computadores e bibliotecas de todo o mundo, está cada vez mais difícil ser original, pois o original é só algo que já foi esquecido e volta em novas cores.

Se a Pitty, que tem idade para nunca ter comprado um CD na vida, pode lançar seu próximo álbum em vinil, nós,que passávamos horas nos sebos do centro caçando raridades (caras) em vinil, podemos nos adaptar aos novos tempos.

E que os saudosistas se danem. Prefiro meu futuro assentado no passado que vivendo dele.

Por Ricardo Avari

SUGESTÃO DA BANDA "CRIOLINA" - Por Laércio Tardochi

2010-07-29T09:39:00.000-07:00

A banda (ou dupla) Criolina

Bom dia a todos! : )

Ando sumido mas sempre apareço para atualizar e dar meus pitacos. Hoje em musica nacional, quero mostrar a todos a banda que ouvi em Votuporanga nome é Criolina. Muito bom, até comprei o cd da banda!

Link do Myspace http://www.myspace.com/criolina

Site da banda http://www.criolina.com.br/

Recomendo a todos que gostem de música alternativa que deem uma olhada.

Abraços.

Por Laércio Tardochi

AOS 61 ANOS, ZÉ RODRIX PEDE PASSAGEM E NOS DEIXA (22/05/2009)

2010-07-29T09:35:00.000-07:00

Zé Rodrix

Faleceu hoje o cantor e compositor Zé Rodrix. Aos 61 anos, morador do Bairro do Sumaré em São Paulo, o músico sentiu-se mal e foi socorrido e atendido no Hospital das Clínicas, onde já chegou sem vida. Após o boletim médico, seu corpo será liberado para velório, ainda na data de hoje. Como era membro da Maçonaria, ainda não se sabe se será velado no cemitério do Araçá ou na sede da corporação.

Com Sá e Guarabira: composições que fundaram o Rock Rural e entraram para a história da MPB

Mais informações:

http://pt.wikipedia.org/wiki/Z%C3%A9_Rodrix

http://br.noticias.yahoo.com/s/22052009/25/manchetes-morre-aos-61-anos-cantor.html

http://g1.globo.com/Noticias/Musica/0,,MUL1163545-7085,00.html

O TEMPLO DOS CÃES II - VENDILHÕES - Por RICARDO AVARI (07/04/2009)

2010-07-29T09:30:00.000-07:00

Anos depois, o bebê cresceu. E ele não escuta Nirvana!
O "movimento grunge" encontrou seu fim oficial em 1994, isso é um fato. Como nunca teve substância social, nada o sustentou depois da morte de Cobain, ao contrário do Punk e do Hippie, cujo estofo era bem organizado para resistirem à morte de seus maiores ídolos. É fácil constatar isso: encontramos mais hippies e punks na rua do que gente vestida no estilo grunge.

Mas o legado do grunge mais importante foi ter trazido o rock de volta para as rádios. Mais ou menos como se tivesse mostrado à geração anterior "onde raios eles estavam com a cabeça", o grunge estancou a latrina para onde a música popular estava indo. Repentino, as pessoas se lembraram que havia mais do que bateria eletrônica em uma banda.

Para quem não estava lá, é quase desesperador pensar em como era ligar o rádio: Ace of base, Technotronic, House, Neodisco e por aí vai. Rock? Em uma rádio, e olhe lá. O que o grunge fez não foi um milagre eterno, afinal tivemos mais Boy-bands e a atual onda de musica black mal-feita das mulheres de barriga de fora e talento idem. Mas o princípio é simples:

O grunge fez o rock voltar a ser considerado a música popular através da qual as outras são classificadas.

Já na época o espaço foi aberto para uma enorme diversidade. O Metal foi o parente que mais ganhou, tendo a chance de mostrar bandas que já estavam na estrada com ótimos trabalhos (Metallica que o diga), Outras que ganharam o espaço na hora certa (no Brasil especialmente, com bandas como Sepultura, Doctor Sin, Viper e Angra), outras que aproveitaram a onda para investirem no estilo e revitalizarem-se (como o Titãs e seu genial Titanomaquia). No rol dos clássicos, Deep Purple, Ramones, Ozzy Osbourne e Rolling Stones reergueram-se em braços mais jovens do que nunca. Outras bandas, como Red Hot Chili Peppers ou Black Crowes, alavancaram-se junto ao movimento sem terem partilhado seu estilo ou sonoridade.

Mais à frente, houve um breve momento de vergonha das rádios. Todas tocavam rock, misturado na programação normal. Não que isso fosse bom: foi quando nos enchemos de ouvir a tríade "Cryin' - Amazing - Crazy" do Aerosmith por exaustão. Mas abriu espaço para muita gente. Smashing Pumpkins, o superestimado Radiohead, Alanis Morrisette, Bush, Raimundos só existiram graças ao terreno conquistado pela safra anterior. Nasceu uma fantástica leva inglesa com Blur, Oasis e outros.

O Metal trouxe toda uma nova roupagem, quando foi passear de mãos dadas com o punk, o gótico e outras coisas, tendo filhos bastardos com eles: Shelter, Nightwish, Pantera, Helmet, Dream Theater, Rhapsody... a lista é enorme e redefiniu o gênero.

O punk, estranhamente, se destacou bandas no imaginário popular que estavam um pouco longe do ideário punk tradicional (Offspring, Bad religion e com muita boa vontade, Green day), se viu estranhamente aceito. Hoje é possível ver cabelos cor-de-rosa e moicanos, calças rasgadas e símbolos da anarquia, piercings e tatuagens nas ruas sem que as pessoas corram. Se discute anarquia, vegetarianismo, preconceito e formas de representação popular como nunca.

Claro, surgiram as Spice Girls (a girl band que trouxe uma onda de boy bands), os emos e sua diluição do new wave, do gótico e do indie na calda doce e sem profundidade das raves; e mais recentemente o império da música negra suavizada e esbranquiçada nas mãos de rappers que só possuem siglas em seus nomes e as rasas Beyoncé e Rihannas da vida. O 2pac e o pessoal do Public Enemy devem estar possessos com o que fizeram com a música de protesto deles.

No final das contas, em pleno século XXI, o que você deixa tocando no seu rádio quando quer impressionar é Pearl Jam, White Stripes e Wolfmother.

E que seja longo o brilho daquilo que o grunge reconquistou. Kurt morreu a 15 anos, vida longa ao grunge!

Por Ricardo Avari

O TEMPLO DOS CÃES - APÓS QUASE 20 ANOS DA SUA EXPLOSÃO, O GRUNGE ESTÁ SEPULTADO EM SEU ''ANTIMOVIMENTO'' (21/03/2010)

2010-07-29T09:19:00.000-07:00

Nirvana: a "chave" do chamado GRUNGE

TUDO É "ROCK" NOS ANOS 80

Boa parte das bandas de rock, remanescentes dos anos 60 e 70, se apresentavam na década de 80 como “colcha de retalhos” ou como “heróis da resistência” daquilo que produziram em seu tempo. Procuravam empurrar com a barriga seu legado para um contexto em que a mídia misturava inúmeras vertentes musicais no mesmo balaio, chamando a tudo de Rock. A música pop, tão evidenciada nesta década, tomava espaço ao lado do new wave, hard rock, heavy metal, punk, rock progressivo, etc, sobretudo nas publicações periódicas especializadas (como é o caso da revista Bizz, no Brasil) e na MTV que começava a se espalhar para o mundo como “aglutinadora de estilos musicais”. E nesta “salada” que a indústria do entretenimento colocava a mesa, surgiam personagens que ocupavam seus espaços no mercado, passando desapercebidos por uns, enquanto idolatrados por outros. O vazio então se preenche com o que se apresenta de opção: Michael Jackson, recordista absoluto de vendagem de discos na década, permanece no top musical, e a febre das “boy bands”, reconfigurada para substituindo os exóticos meninos latinos do Menudo, por jovens caucasianos americanos do New Kids on The Block (imitados por uma dúzia de grupos congêneres), com melhor penetração no mercado europeu. E a década 90 é iniciada com ambos, Michael Jackson e New Kids, no topo da parada de sucessos, em quase todo o mundo, seguidos pela megalomania do Guns'n Roses e as "new glitters" Poison, Skid Row, Motley Crue, dentre outras.

O MAPA DA CONSTRUÇÃO DE UMA CENA MUSICAL

O mundo passava por mudanças significativas na década de 80, tendo na quebra da URSS talvez, sua mais importante situação. A idéia de uma “dualidade” na configuração mundial, sobretudo a proposta de um ideário esquerdista, contaminava não somente os corações politizados, mas alimentava o que se pode chamar propensão “outsider” de indivíduos ou grupos. No Brasil, Cazuza sintetizou bem o “vazio” ideológico global que se estabelecia com a “vitória” do capitalismo, quando cantou “o meu partido é um coração partido” ou “ideologia... eu quero uma pra viver”. Não havendo mais um “norte subversivo” pairando sob os campos tradicionais sociais da estrutura capital, as mentes irriquietas abraçaram a angústia e já não chorava seus “heróis” que “morreram de overdose”. Parecia nada ter sobrado. Mas Jimi Hendrix não poderia passar desapercebido como lenda, sobretudo para a juventude da cidade onde nasceu: Seattle. A maior cidade do Estado de Washington, está localizada geograficamente na costa do Oceano Pacífico, na divisa com o Canadá, vive basicamente da indústria de tecnologia e do turismo em parques nacionais com suas cadeias montanhosas. Do ponto de vista do cultural, viveu grande movimentação com a chamada Exposição Mundial, ocorrida no ano de 1962. Desde então, a escassez de eventos culturais de grande porte se arraigou, tendo nas chuvas incidentes na média de 200 dias por ano, uma das responsáveis pela falta de interesse na região. A solução para jovens entediados descendentes das classes médias baixas e mais pobres da sociedade, com mínimas opções de diversão era formar bandas de rock, tocar em suas garagens e, quando possível, nos clubes da cidade, para espremidos espectadores sedentos por “alguma coisa”. A situação exigia um estilo musical simples que pudesse expor toda a revolta contra si mesmo e contra a sociedade. Eis então a adoção do punk-rock, que atendia a estes “desinteresses”. Isso “cheirava a espírito juvenil”.

GRUNGE: UM NOME DA MODA E DO "MOVIMENTO”

Do momento em que o Nirvana entrou num estúdio para gravar seu segundo álbum, Nevermind, em 1991, nada mais foi igual por aquelas bandas dos EUA e pelo mundo. Logo a indústria fonográfica direcionou suas atenções para Seattle, causando um grande movimento migratório de bandas que nesta conjuntura, buscavam o estrelato. No entanto, os produtores deste estilo musical, como o lendário Jack Endino, estavam bem antenados com o contexto geral do nascimento das bandas de Seattle, sendo ele oriundo deste meio. Sendo assim, notaram que a abertura de leque quanto as vertentes musicais era fundamental para a expansão do “movimento”, seguindo basicamente três linhas diferentes, aproveitando a configuração das bandas locais: o punk-rock, tendo como maior expoente o Nirvana; o hard rock, mais aproximado ao Pearl Jam; e o Heavy Metal, encabeçado por Soundgardem e o Alice in Chains. Evidentemente que os hábitos e vestimentas que adornaram esta ebulição, além dos cabelos longos e largados, comportava camisão quadriculado de mangas compridas (usado por lenhadores da fronteira com o Canadá) e os bermudões do surfista Eddie Vedder, foram aderidos pela indústria da moda que, ali, abriu seu nicho do que chamou “Moda Grunge”. Apoiado no lançamento de cada uma das bandas citadas acima, que a tiracolo trazia outras bandas em seu rastro, o que se apresentou como Movimento Grunge, passou longe de ser de fato, um movimento. A proliferação desta ideia de “movimento” para a cena que surgia foi criada nos bastidores da indústria, que desde a década de 50 vê o rock como grande fonte de lucro, tendo na juventude seu consumidor nato. Embasou-se muito mais na “rebeldia” em se vestir, do que propriamente numa proposta efetiva de transformação social. Não é por acaso que, no auge da coisa, uma bermuda custava cerca de 300 dólares em qualquer loja da cidade! Se existe uma definição que caiba ao tema, certamente está em “anti-movimento”. Longe de levantar bandeiras de destruição total do sistema capital ou mesmo cantar “peace and love” com batas coloridas e flores, o Rock de Seattle gritou nos microfones o vazio existencial de uma geração que não apontava direção alguma e decidia então expressar isso em letras recheadas de dúvidas e incertezas, drogas e álcool, paixões e decepções. As agonias de Kurt Cobain, mais do que qualquer outro personagem do seu tempo, apresentaram-se em suas letras, a violenta distância de qualquer perspectiva otimista. As drogas, que ocupavam o lugar de algo que faltava, passaram a ser a fuga do excesso de coisas que contornavam-no como mídia, escândalos com a esposa Courtney Love, agendas de shows, etc. Em 5 de abril de 1994, um tiro não tirou somente a sua vida, como sepultou o Grunge, condenado desde o nascimento.

Por Adriano C. Tardoque

Para saber mais:

Mundi – Dados de Seattle:
http://www.mundi.com.br/Wiki-Seattle-Washington-2392735.html

Editora Abril – Boletim Revista Bizz sobre a morte de Kurt Kobain em 1994:
http://www.abril.com.br/noticia/diversao/no_288563.shtml

Rock Online – Novo livro declara a “Morte do Grunge”:
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/noticias/ultimas.asp?noticiaID=18980

Filmes:

Hype!, Filme documentário de Doug Pray, sobre o Grunge, lançado em 1996. Site oficial do diretor:
http://www.dougpray.com/

Kurt and Courtney. Filme docimentário de Nick Broomfield, sobre a morte de Kurt Kobain, lançado em 1999. Matéria:
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/materias/materia.asp?codArea=3&materiaID=104

Por Adriano Tardoque

INDICAÇÃO DO LIVRO "O CÉREBRO MUSICAL - COMO IDENTIFICAR E DESENVOLVER SEU SOM INTERNO" - SILVIA GÓES (14/03/2009)

2010-07-29T09:14:00.000-07:00

A pianista compositora e arranjadora Silvia Góes, conhecida pelo seu intenso e diversificado trabalho musical, agregando desde apresentações ao lado de cantores e compositores como Toquinho, Hermeto Pascoal, Dominguinhos, Arismar do Espírito Santo, dentre outros, passando pela composição de trilhas sonoras (destacando os trabalhos desenvolvidos com Maurício de Souza), aulas em cursos de piano (com método que ela mesma desenvolveu) e gravações em estúdio. O acúmulo de todas estas experiências musicais, somado aos estudos e pesquisas que envolvem o aprendizado musical, derivou no livro O Cérebro Musical – Como identificar e desenvolver o seu som interno, lançado recentemente pela Editora Person. Com linguagem simplificada e objetiva a publicação busca traçar uma relação entre a música e o cérebro, tentando compreender alguns comportamentos dos seus estudantes, bem como algumas dificuldades que envolvem o processo de aprendizado destes. A apresentação das suas pesquisas pretende de alguma forma, facilitar os passos deste aprendizado e ao mesmo tempo, oferecer a quem ensina, algumas informações para melhor orientação aos alunos. Também é um interessante instrumento para aqueles que estudam música e um curioso e útil conjunto de informações para leigos, interessados em assuntos relacionados. Destaque para o capítulo de Testes e Exercícios, voltado ao desenvolvimento e afinação da percepção musical.

IINDICAÇÃO DO CD "MÚSICA BRASILEIRA CONTEMPORÂNEA - VOLUME 2" - ARMILDO UZEDA (14/03/2009)

2010-07-29T09:10:00.000-07:00

O excepcional violonista Armildo Uzeda tem dois pontos fundamentais em seu trabalho musical que destacam significativamente sua obra: a busca constante do aperfeiçoamento das técnicas das execuções musicais em violão, o que deriva num trabalho caracterizado por um didatismo primoroso, decorrente de sua formação e exercício docente e a promoção de compositores populares contemporâneos em suas execuções. Seu trabalho Bach: 2 Suítes e 1 Sonata, gravado em 2003, faz a adaptação para violão de obras compostas para alaúde (Suíte n.º 4 em Mi Maior), violino (Sonata n.º 2 em Lá Menor) e violoncelo (Suíte n.º 3 em Lá Maior), convertendo este estudo em elemento obrigatório para apreciadores e estudantes do instrumento. Segue a linha da interpretação de grandes obras com Bach: Violão Solo (2004) e A Música de Paganini Sor e Haydn para Violão Solo (2005). Forma o Duo Legatto, em 2006, com a cantora lírica Regina Loureiro de Sá, lançando o cd Weep you no more, no qual se destacam as interpretações de canções compostas para alaúde por John Dowland (1563-1626), uma canção de Thomas Morley (1557-1603), baseada em Shakespeare, além de obras de Bach e Hendel. Com os cd’s Música Brasileira Contemporânea – Volumes 1 e 2 (2007), apresentas canções de músicos contemporâneos: no Volume 1 destacam-se as composições de Carlos César Belém e Henrique Lissovsky e no Volume 2, destacando as obras de Alexandre Schubert e Caio Senna. Não deixe de conhecer.

Site: www.armildouzeda.com

e-mail: armildouzeda@gmail.com

INDICAÇÃO DO CD "CAMINHOS" - PAULO NEWTON (02/03/2009)

2010-07-29T09:07:00.000-07:00

Recém lançado no Rio de Janeiro, este trabalho do violonista, compositor e arranjador carioca Paulo Newton, é um passeio pelos ritmos musicais que tem assimilado ao longo de sua carreira. Formado pelo Conservatório Brasileiro de Música em violão clássico, teoria, harmonia e morfologia, há 20 anos atua como professor de violão e teoria musical, além de ter composto para teatro e dança. É responsável por mais de 200 composições, dentre estas às chamadas músicas de câmera, para diversas formações de música instrumental. No cd Caminhos, as obras prezam pelos temas brasileiros, tendo nestes, seu ponto mais alto, com destaque para as canções Repente, Brasilidade, Miragens do Sertão, Com o pé na roça e Baião das Montanhas, executadas de forma peculiar e bastante democrática (o que caracteriza bem as composições de Newton) quanto ao revezamento instrumental em primeiro plano, abrindo espaços, sobretudo para sopro, metais e percussão. Compõe ainda este trabalho exemplos das chamadas músicas de pesquisa, com os belos Ensaios 1, 4 e 5, além de uma releitura em forma de choro de uma peça composta por J.S.Bach, originalmente para alaúde: Choro Alemão. Técnica, improvisação e simplicidade marcam sensivelmente este trabalho que, sem dúvida, merece ser conhecido e apreciado.

E-mail: paulonewtonnf@hotmail.com

*Resenha publicada originalmente na Edição n. 21 da Revista VIOLÃO PRÓ.

INDICAÇÃO DO LIVRO "ENTÃO FOI ASSIM? A ORIGEM DE 80 SUCESSOS DA MÚSICA BRASILEIRA" - RUY GODINHO (24/02/2009)

2010-07-28T21:53:00.000-07:00

Você já se perguntou, por que aquele músico que tanto gosta, escreveu determinada canção? Já parou para imaginar de a situação da música era real ou imaginada? No livro Então, foi assim? A Origem de 80 Sucessos da Música Brasileira - Volume I, livro editado pela Abravideo, seu autor, Ruy Godinho, escritor, radialista, pesquisador e produtor multimídia, escreve com simplicidade e prazer os fatos existentes por trás das composições de grandes nomes da música popular brasileira, conseguindo assim apresentar uma dimensão muito mais ampla do processo de criação musical, sobretudo que envolve às letras. Como diz o músico Fausto Nilo, autor do prefácio, a definição ideal para o livro está na citação da frase de um amigo compositor: “letra de música é música”. É impossível não se envolver com as histórias de composições como O filho que eu quero ter (Vinícius de Moraes e Toquinho), As Rosas Não Falam (Cartola), Lígia (Tom Jobim) ou Nervos de Aço e Vingança (ambas de Lupicínio Rodrigues). A idéia do livro surgiu quando Godinho e a jornalista Adriane Lorenzon eram produtores do programa Estação Brasil, veiculado na Rádio Cultura, cujo quadro A Origem da Música, apresentava as curiosidades envolvidas no processo de criação das canções por seus compositores. Foram necessários onze anos de pesquisa sobre o valiosíssimo material acumulado que, organizado com precisão, derivou numa leitura agradável e interessante. Obrigatório para os fãs da MPB .

Contato: ruygodinho@abravideo.org.br

Observação: Publicado originalmente na edição número 18 da revista VIOLÃO PRÓ, página 14, no ano de 2008.

A ENCRUZILHADA MUSICAL: VIVENDO ENTRE O SAGRADO E O PROFANO - por MIGUEL DE LAET (21/02/2010)

2010-07-28T21:50:00.000-07:00

Enquanto no terreiro se ouve os três atabaques - rum rumpi e lê - chamando os Orixás, um violeiro faz soar um inebriante acorde de sua viola após ter encontrado numa estrada escura a cobra coral - que, dizem os antigos, se tratar do próprio "tinhoso" vindo do mundo sobrenatural - para pactuar-se com o Senhor das Trevas com o intuito de dominar o instrumento musical místico e tocar na Festa do Divino. Da mesma forma, o bluesman segue seu caminho até a encruzilhada para encontrar o próprio Diabo para afinar o seu instrumento e conseguir, através dele, fama e sucesso.

De fato, o ponto em comum que encontramos nos vários personagens que fazem parte do mundo da música, e que parece mover o ser humano em direção do desconhecido, é o desejo de sentir, ao menos um instante, o gosto da "Liberdade". O sonho – para muitos, utópico - de tornar-se um ser capaz de manter-se suspenso, acima da terra, livre como Fernão Capelo Gaivota, alimenta o nosso espírito inquieto que tenta, de diversas maneiras, libertar-se da prisão do corpo para voar alto, para além das estrelas. Acontece que, para tornar-se independente, é necessário renunciar as amarras, cortar o nosso cordão umbilical e sacrificar o corpo; se faz necessário sentir as dores e a agonia da descompassada arritmia cardíaca, taquicardia supraventricular, aparentemente antimusical e mortal, para viver num universo atemporal e imparcial.

O próprio som nasceu do sacrifício. As cordas de tripa de carneiro que soavam no antigo alaúde; o couro de peixe que vestia o oriental Derbak; os instrumentos alegres do nosso carnaval revestidos com pele animal – couro de gato, couro de cobra, couro de bode -; todos eles são prova evidente do sacramento do som. O sacrifício do corpo que se torna sinal visível do som invisível e imaterial capaz de atravessar muitas barreiras. O Som que vence o silêncio da Morte e que só se faz ouvir através dela, trazendo aos homens a Esperança de uma Vida Imortal, consolo dos fracos segundo alguns "existencialistas". "Acontece que as orelhas não têm pálpebras", disse Pascal Quignard. Destarte, o que os olhos vêem é limitado e o que os nossos ouvidos captam, muitas vezes, vai mais além. "O som penetra. Ele é o estuprador". O som é o Todo-Poderoso, criador do Universo, princípio e fim de todas as coisas. O som é Livre e aquele que ouve, escravo ou liberto!

O período clássico eleva a figura do ouvinte pagante em detrimento da Liberdade do som, sem nenhum sinal de arrependimento. A própria ordenação e organização sistemática musical podem ser, então, interpretadas como um sacrifício, pois o jardim musical dos clássicos foi concebido através do cultivo artificial e formal de espécies ornamentais escolhidas a dedo – em sua maioria, bastante simples. Caso houvesse um crescimento de uma herbácea capaz de modificar a disposição do jardim, a mesma era removida, ou melhor, sacrificada pelo "bem do conjunto" e da satisfação do cliente que está pagando pelo serviço. Mesmo assim, a música não deixa de ser "Arte". Quando o artista ouve o som que toca no lugar mais profundo do seu ser e o transcreve fielmente sem deixar que a racionalidade material o perturbe, suas obras são colocadas num "Hall" especial e seu nome imortalizado. Foi assim que Mozart escreveu o protótipo da "Ópera Alemã", Die Zauberflöte (A Flauta Mágica), por exemplo, e conquistou a sua Liberdade vencendo sua partida de Xadrez contra o Anjo da Morte e do Esquecimento.

Miguel De Laet é formado bacharel em música pela Faculdade Mozarteum de São Paulo. Auxiliaram em sua formação musical mestres como Luiz Carlos Tessarin, Arrigo Barnabé, Paulo Zuben, Pablo Sainz Villegas (Espanha) e os maestros Antonio Carlos Castro Neves e Pablo Dell´Oca Sala (Uruguai). Transita entre o popular e o erudito em seus diversos projetos. De seus trabalhos, destacam-se a banda de rock/pop Karmanguia e o progressivo grupo santista Metal Jam. É Editor da Revista Violão PRO, participou de Festivais, compôs jingles e se apresentou em diversas cidades brasileiras.

Para saber mais:
http://br.geocities.com/migueldelaet/

http://www.metaljam.net/

Publicado originalmente no http://espacolivrepensar.blogspot.com/2008/03/encruzilhada-musical-vivendo-entre-o.html em 13/03/2008.

INDICAÇÃO DO DVD "LIVE@RTSI" - TOQUINHO (18/02/2010)

2010-07-28T21:45:00.000-07:00

Nos últimos anos o exímio violonista e compositor Toquinho teve quase uma dezena de títulos lançados em DVD, incluindo seu nome. Nada mais justo, uma vez que este ícone absoluto da MPB, está sempre envolto a projetos musicais que refletem seu alto grau de desenvolvimento musical e artístico. Recém lançado pela Coqueiro Verde Records (que já lançou anteriormente “Jobim, Vinícius & Toquinho com Miúcha”), o DVD Toquinho – Live@RTSI, é uma produção da RTSI Televisione Scizerra, da Itália, cujo auditório recebeu o músico brasileiro em 8 de junho de 1983. Com um repertório que exalta aspectos fundamentais da cultura brasileira em toda sua riqueza musical, a apresentação busca aproximar intimamente público e músicos. Dentre as canções executadas, estão desde as parcerias com Vinícius de Moraes e Chico Buarque, como Samba de Orly e A bênção da Bahia, passando por Asa Branca, de Luiz Gonzaga e Na baixa do Sapateiro, de Ary Barroso. Toquinho não somente cria a ambientação ideal para sua performance, como proporciona aos músicos que o acompanham, momentos de grande destaque e virtuosidade como nos duetos com o percussionista Papete em Berimbau e Um abraço ao Papete, e com o cavaquinho de Luciana Rabello nos choros Brasileirinho e Beliscando. As filmagens das apresentações instrumentais são de uma proximidade e riqueza de detalhes que, sem sombra de dúvida, deixará hipnotizados os admiradores com a “orquestra” formada pelas mãos versáteis e incrivelmente hábeis de Toquinho. Imperdível!

Publicado originalmente na Revista Violão Pró no 20/2008.

INDICAÇÃO DO CD "MEU BRASIL, BRASILEIRO" - CHORO DAS 3 - (16/02/2009)

2010-07-28T21:42:00.000-07:00

Em seu primeiro CD, Meu Brasil Brasileiro as meninas do Choro das 3 atestam não só seu talento como jovens artistas mas a incrível capacitação musical que tem se desenvolvido no interior de São Paulo, ao longo dos anos, com epicentro na cidade de Tatuí (onde estudaram). Inteiramente produzido, gravado e mixado pelas irmãs Corina Meyer Ferreira (20 anos, flauta e produção musical), Lia Meyer Ferreira (17 anos, violão de 7 cordas) e Elisa Meyer Ferreira (15 anos, bandolim, banjo e clarinete), com a participação de Adriano Andrade (cavaquinho) Eduardo Ferreira (pandeiro, surdo e tamborim), a proposta do trabalho é simples: resgatar para a geração atual os clássicos do choro brasileiro. Nas gravações e execuções das obras, o clima livre e agradável de “quintal de casa”, caracteriza fundamentalmente o que faz do choro um gênero popular. Destaque para às belíssimas Brejeiro, de Ernesto Nazareth, o dueto cordas/flauta no samba Flor do Abacate, de Álvaro Sandim e os solos de Doce de Coco, de Jacob do Bandolim. Com Allá Turca (Sonata para piano n.o 11 in a major, k.311), de Mozart, apresentam um belo arranjo desta obra, iniciando a segunda metade do CD com obras mais populares, sobretudo, as canções de Pixinguinha com Rosa (com flauta de Corina, a mais virtuosa e experiente do grupo), Carinhoso e Um a Zero, alem de outros eternos clássicos como Tico-tico no fubá (Zequinha de Abreu e Eurico Barreiros) e Aquarela do Brasil (Ary Barroso). Aprecie.

LINK: www.chorodas3.com.br

Disponível originalmente na Revista Violão Pró n.o 20/2008.

INDICAÇÃO DO CD "OS AFRO-SAMBAS" - BADEN POWELL (Relançamento) 16/02/2009

2010-07-28T21:38:00.000-07:00

O inquestionável gênio da música brasileira Baden Powell teve relançado pela Biscoito Fino o cd Os Afro-Sambas. É interessante constatar que este álbum havia sido lançado em 1990, com apenas três mil cópias, distribuídas como brinde, aos clientes de uma rede bancária No entanto, sua história inicia em 1962, numa parceria com Vinícius de Moraes. Encantados com as cantigas de roda da Bahia, Baden e Vinícius freqüentavam os terreiros de candomblé e rodas de capoeira. Experiência que lhes rendeu assim um LP lançado em 1966 (também chamado ‘Os Afro-Sambas’), no qual ambos dividiam os vocais com o Quarteto em Cy. Das 39 canções que fizeram juntos, 10 delas estão relacionadas foram regravadas no início da década passada, já sem Vinícius, mas ainda com o Quarteto em Cy e uma malha de músicos excepcionais como Ernesto Gonçalves (baixo), Paulo Guimães (flauta), Sutinho (bateria, tamborim e agogô), Alfredo Bessax (atabaque, ganzá, cuíca, tamborim e berimbau), Flávio Neves (surdo, atabaque, afoxé e ganzá), Valdeci (pandeiro e tamborim). Com arranjos e direção musical do próprio Baden, o toque de seu violão relaciona-se incrivelmente sincronizado, tanto com toques de percussão em Flerte Afro, Canto de Pedra Preta e Canto de Yemanjá, como o berimbau em Variações sobre o berimbau. Destaque também para a execução em tom de bossa de Tristeza e Solidão e a bela construção de um ambiente musical dramático em Lamento de Exu. Genial e obrigatório.

Para saber mais: http://www.luizamerico.com.br/fundamentais-baden-vinicius.php

INDICAÇÃO - CD "AGRIDOCE" - SONEKKA (10/02/2009)

2010-07-28T21:34:00.000-07:00

Antes de mais nada, Sonekka é um músico antenado com o seu tempo. Optou por estar fora dos ditames das gravadoras tradicionais, lançando seu novo álbum Agridoce (segundo de sua carreira), via internet no iTunes, simultaneamente em 20 países, pelo selo japonês Koala Records. As músicas deste seu trabalho, não se prendem a um estilo específico, transitando pelo pop, rock, blues e ritmos brasileiros. A influência clara do rock brasileiro dos anos 80 se faz presente em Como dizia Agenor, declarada homenagem a Cazuza, tanto no nome da música, como no teor da letra e estilo de interpretação. Cisco no Olho tem os dois pés fincados no blues-rock estilo Barão Vermelho, assim como Jornal das 10 lembra alguns trabalhos dos Titãs. No leque de participações especiais, destaque para o saudoso Zé Rodrix tocando piano e teclado em duas canções. Os compositores paulistanos do grupo 4+1 (Kana, Alvaro Cueva, Márcio Policastro, Alê Cueva e Leo Nogueira) participam da canção Será Que Estou Viajando? A música Batendo Água mostra a força da percussão do inglês Cris Wells e as vozes de Guarabyra, Celso Viáfora e Élio Camalle na divisão dos vocais de Balada Perdida, se equilibram com uma bela levada de violão. Sonekka participou recentemente da trilha sonora de uma novela e recebeu o prêmio London Burning de Música Independente como Melhor álbum de MPB em 2008, por Agridoce. Para os brasileiros, disponibilizou a venda no seu site, com encarte de luxo. Sonekka também é responsável pelo Clube Caiubi de Compositores, comunidade que disponibilizou na rede, agregando talentos de todo o país que frequentemente apresentam-se em eventos organizados por ele no Café Villaggio, ponto conhecido da noite paulistana. Vale a pena conferir. Para saber mais sobre:

- Sonekka: www.sonekka.com.br

- Clube Caiubi de Compositores: http://clubecaiubi.ning.com/

*Publicado originalmente na revista VIOLÃO PRÓ, número 18.

A MINA: JOAN JETT (AND THE BLACKHEARTS) - 09/02/2009

2010-07-28T21:29:00.000-07:00

Mulheres do meu Brasil feminil, uni-vos!

Muito antes da era das Riot Grrrls, das tropeçadas de carreira da Debbie Harry, do punk e no vácuo causado pelo fim da grande era do Rock, uma banda saiu do forno, em 76, de uma produtora. Escapando das fórmulas que devia seguir, tornou-se a origem de todo o rock feminino de hoje.
Essa banda era a “Runaways”. E de suas hostes de garotas com então 16 anos saiu aquela que é a fonte, origem e sangue de todas que agora tocam guitarras e gritam seus protestos: Joan Jett.

Tudo bem, outra JJ, a Janis Joplin, cantou antes, mas a segunda grande voz feminina da música, que abriu caminho para todas as demais, foi Joan. Quando se sobressaiu demais no Runaways, quando a banda de boutique não permitiu-lhe cantar sua revolta, seus covers amados (ela foi a primeira a falar, como sua fã Cássia Eller, “sou intérprete, e daí?”), ela saiu fora e deu um chute no saco do machismo. Com os Blackhearts, iniciou uma história diferente.

Outra colega de banda, a segunda guitarrista, também tentou carreira solo, mas alguém aí pensa na Lita Ford como algo além da loira peituda que deu uns amassos no Tony Iommi?

Bom, quando J. Jett cantou “I love Rock´n´Roll” (outro cover), ela resumiu tudo. A poesia metálica de Suzy 4, a gana do Girlschool, a emoção de Janis, a sensualidade do Blondie, e abriu portas que nunca mais foram fechadas, e por onde vieram desde as meninas histéricas do Go-Go´s até as espevitadas Donnas. Junto a sua irmã espiritual no Pretenders e a Janis, forma a deusa tríplice do Rock, sendo ela a mãe que pariu toda a sonoridade que hoje nos chega em guetos de pequenas lésbicas, em revistas de fofocas insuficientes para extravasar o que adolescentes querem dizer, em grandes cantoras intimistas como Alanis ou Tori Amos, em furiosas meninas do Okoto, Volkana, L7, Cramberries, Pitty, Tristania ou Dominatrix. Passou doze anos entre seus dois álbuns mais recentes (em 2006 os fãs celebraram o parto de “Sinner”, uma porrada que dá lições a essa molecada com leite nas veias) e está mais ativa do que nunca.

E hoje, Joan é citada por qualquer cantora de respeito, produz como louca discos de outras meninas por saber que ainda há muito que fazer para colocar estrogênio nos rádios, faz shows na Ucrânia para mil pessoas ou em Los Angeles para os amigos num bar, milita no PETA (People for ethical treatment of animals) e vai em reuniões de pais na escola de moicano e mil piercings. Já não tem mais seus 16 anos, mas, hoje, é talvez a mais bela mulher da música, pois sem ela não haveria música com voz feminina como temos hoje.

Por RICARDO AVARI

INDICAÇÃO: CD "FROM THE PLANTATION TO THE PENITENTIARY" [2007] - WYNTON MARSALIS

2010-07-28T21:24:00.000-07:00

Sem sombra de dúvida, Wynton Marsalis é um dos mais espetaculares músicos de Jazz de todos os tempos. Ainda que muitos o critiquem pela posição que atingiu no meio, chegando a "arbitrar" o que é ou não música de qualidade, seu potencial junto ao trompete o redime de algum tipo de ressentimento que possa surgir. Melhor do que qualquer outro, Marsalis soube criar uma síntese qualitativa e perpetuadora do que trouxeram Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Miles Davies, e outros grandes nomes da história deste gênero musical. Com o álbum From The Plantation To The Penitentiary (lançado em 2007), desfere um golpe certeiro nos ouvidos dos mais otimistas de plantão, ao conceituar seu álbum no contexto "o negro saiu da plantação para a penitenciária". Um ano depois do lançamento do disco, os EUA escolheram como seu representante máximo um homem de pele escura que, além representar o negro no poder, representa a miscigenação como uma das principais características também da sociedade norte-americana (Obama tem pai queniano e mãe americana). O "negro" a que Marsalis se refere está superlotando prisões, sendo explorado nestas pelo mesmo sistema capital, o mesmo de outros tempos (prisões são linhas de produção com mão-de-obra barata), configurando a continuidade de algo que incrivelmente passa desapercebido ante a tantas "novidades" festivas. Sem querer me alongar, indico que ouçam a primeira música do álbum e tire você mesmo a conclusão sobre a qualidade musical, o nível do toque instrumental e o grau de dramaticidade da canção. E depois me diga se exagerei nos meus adjetivos. Vale observar que ainda não encontrei este álbum a venda no Brasil. Desta forma... Baixe, ouça e liberte seu coração das correntes.

Por Adriano Tardoque

Sobre Marsalis: http://www.wyntonmarsalis.org/

Livro: GUIA DO JAZZ, de Sérgio Karan, Editora L&PM, Porto Alegre, 1993. páginas 194-197

UMA ETERNIDADE SEM SILÊNCIO: HOMENAGEM A RICHARD WRIGHT - 28/07/1943 a 15/09/2008

2010-07-28T21:19:00.000-07:00

Um minuto de silêncio seria um pecado para aquele que melhor do que muitos, soube criar atmosferas e dimensões musicais antológicas. Talvez um dos menos celebrados, mas não menos geniais membros do Pink Floyd, Richard Wright elevou o domínio seus instrumentos (teclado, sintetizador, piano, etc) ao extremo da experimentação, catalizando não somente os vislumbres da sua formação musical, mas as idéias e neuroses de seu tempo. Segundo Jon Harris, autor de do livro The Dark Side Of The Moon, com David Gilmor, Wright "formou um vínculo apoiado numa comum compreensão natural de melodia e estrutura". Sobre seu processo criativo, o próprio Gilmor disse: "tinhamos em Rick, que não era uma pessoa muito direcionada mas tinha uma boa cabeça musical: ele sentava e começava a tocar; muitas vezes tocava peças muito bonitas...". Nos processos naturais da vida, mais um grande nome do rock se vai, deixando a certeza não somente de uma obra monumental em conceitos e qualidade, mas do insubstituível preenchimento da fenda que ajudou a criar. Que a sua nova empreitada esteja repleta das dimensões sonoras que criou. Uma eternidade sem silêncio, em sua homenagem...

http://www.abril.com.br/noticia/diversao/no_301772.shtml

http://pt.wikipedia.org/wiki/Richard_Wright

http://g1.globo.com/Noticias/Musica/0,,MUL760439-7085,00.html

http://www.pinkfloyd.com/x/news.html?nid=37

SYD BARRETT (06/01/1946 - 07 /07/2006): A PARTIDA E A TROCA

2010-07-28T21:11:00.001-07:00

Enquanto as gerações pós anos 70 glorificavam astros mortos como Joplin, Morrison, Hendrix, Lennon, Jones, Moon, etc, esquecido dentro de sua casa, depois em um manicômio, estava o primeiro grande morto do Rock: Syd Barrett. Ele, na verdade um "morto-vivo", converteu-se em uma "lenda viva" que inspirou seus companheiros e algozes, numa carreira que lhes rendeu milhões de discos, fama e ego. Enquanto isso assistia TV e comia chocolates, todos os dias, o tempo todo. Barrett assimilou o fracasso da sustentabilidade de sua geração e cometeu suicídio vivo antes de tragar do veneno moderno-tecnológico-capital, descrito pelo Pink Floyd no álbum The Dark Side Of The Moon.[1]

O diamante continua a brilhar, pois o levante da sua loucura se deu no auge do seu sucesso, no suspiro da contracultura. Seu espectro atravessou quase quatro décadas em anonimato. O seu desligamento trouxe a tona e mostra sua maior faceta: jamais teve medo de trocar seus heróis por fantasmas.

Trinta anos depois a vida em uma sociedade neoliberal (as funções do mercado determinam a economia dos países, a globalização busca hegemonia de cultura), obriga que todo conhecimento adquirido formalmente (escolas e instituições) seja voltado para o meio comercial e o conhecimento informal (cultura), passa a ser um produto de consumo. Os movimentos sindicais, outrora veículos da luta pelas melhores condições de vida e trabalho são destroçados pela influência mercadológica nos governos, que criam suas políticas de acordo com a “ordem globalizada”. O homem é cada vez mais envolvido pela ideia de que o “tempo é dinheiro” e que a não adaptação ao mercado de trabalho pode excluí-lo das “possibilidades”. Se o indivíduo não adquiriu os títulos, os bens e o status social, está automaticamente excluído do mercado e assim, próximo das mazelas derivadas de sua “incompetência” de sobreviver a tudo isso:

“... arranje um bom emprego com um salário melhor e você fica Ok”. (Money)

"...você é jovem e a vida é longa / e hoje há tempo para matar / e então um dia você descobre / que dez anos ficaram para trás / ninguém te disse quando correr / você perdeu o tiro de largada...

... E você core e corre para alcançar o sol / E você core e corre para alcançar o sol / Mas ele está afundando / Para se levantar atrás de você outra vez / E o sol permanece, relativamente, o mesmo / Mas você está mais velho / Com o fôlego mais curto / E um dia mais perto da more.” (Time).

Na canção “Breathe” é feito um convite à resistência frente à situação social, ao mesmo tempo em que se acredita na vulnerabilidade de resistir:

“...Respire, respire o ar / não tenham medo de se importar / vá, mas não me deixe / olhe envolta e escola seu próprio chão”

“... tenha uma longa vida e voe alto / mas só se deixar se levar pela maré / equilibrando sobre a maior onda / apostando uma corrida na direção de uma sepultura precoce” (Breathe).

As oscilações e contradições entre ser e estar, ter e desejar, viver e definhar conduz o indivíduo aos vícios e a loucura.. Desta forma, tanto a competitividade dentro do sistema quanto a exclusão total do mesmo, são meios de perder-se a noção de humanidade:

“... saia do caminho, é um dia cheio e estou com a mente ocupada” (Us and Them).

Com The Dark Side Of The Moon, o Pink Floyd constrói uma crônica da situação que domina o mundo, atirando a última pá de terra nos sonhos revolucionários da contracultura que almejava uma sociedade humana e de livre pensar. Aponta para o futuro e mostram um diagnóstico final que, em resumo, aparece na última frase da última canção do disco, “Eclipse”, onde a desesperança frente à monstruosidade da vida moderna (assim como ocorrera com a industrialização inglesa do século XIX), dá suas caras em um processo tecnológico e sem retorno:

“... na verdade não há um lado escuro na Lua, de fato, ela é toda escura” (Eclipse).

[1] - Lançado pelo Pink Floyd em março de 1973, o álbum The Dark Side Of The Moon selava definitivamente o papel da reflexão existencial dentro da obra do grupo. Nascido no seio da busca pela libertação das velhas regras, característica própria da Contracultura dos anos 60, com esta obra o Pink Floyd é engendrado definitivamente na observação do passado como busca profética para o futuro. No auge a criatividade e genialidade dos integrantes (todos absolutamente importantes e ativos no processo de criação do disco), o grupo fez suas canções como um espelho claro de sua época, os anos 70. No entanto as transformações pelas quais o mundo passou no decorrer das próximas décadas reafirmaram a condição sempre atual do que propuseram: o que é viver no mundo moderno?

Observação: Publicado originalmente separado em dois textos, para a extinta comunidade Família dos Floyds, no Orkut, em 28/10/2006.

DON CROOKANE: OS "OLD ROCK'S" ESTÃO VIVOS E PULSANTES! - 30/01/2009

2010-07-28T21:05:00.000-07:00

Quando fiz no mês de Julho/2008 uma "peregrinação" pelo interior de São Paulo, passando por nove cidades em onze dias, um detalhe me chamou muito a atenção: o envolvimento e a vontade de fãs e músicos de rock em manter acesa a chama de uma cena deste gênero por lá. Pelo menos duas casas de nome consolidado em São José do Rio Preto, constantemente lotadas, tem segurado esta bandeira: o Toma-Rock e o Vila Dionísio. E foi nesta primeira que tive a oportunidade de ver algo que já não via a um bom tempo, nem mesmo em São Paulo, que é uma banda tocar cover com muito tesão. O que mais me chamou a atenção no DON CROOKANE, além do repertório de classic rock com pérolas como Foghat, UFO, Grund Funk Railroad, Alice Cooper, dentre outros, foi a preocupação em contextualizar algumas músicas em sua história, sobretudo nas temáticas da composição. Isso é um fator importante para despertar o interesse das gerações mais novas pela contracultura e dar a esta a derradeira importância como movimento de resistência social. O assunto ainda sofre preconceito, sobretudo nos meios acadêmicos nos quais eu mesmo, em tempos de faculdade, não pude levar adiante um projeto de pesquisa sobre o tema, pelo fato dos orientadores julgarem um assunto "sem interesse geral".

Sobre o fato de tocar cover, observo que, se por um lado, na capital paulista algumas bandas consideradas (ou auto-denominadas) "underground" estão se isolando ao alegar a necessidade de tocar composições próprias, abolindo de uma vez as releituras, por outro, no interior a cena vai muito bem, obrigado (mesmo)!

A escolha de uma voz feminina para os vocais, a cargo de Anie Doná, atribui charme ao hard rock, sobretudo nas execuções de canções do Led Zeppelin, Deep Purple e Aerosmith. É um lance feliz, pois, se considerarmos que nos anos 90 o rock dava ares de que as mulheres tomariam cada vez mais este posto e, inexplicavelmente isso prosseguiu numa proporção menor do que o esperado, hoje é essencialmente interessante ter esta configuração numa banda em ascenção. Nos demais postos do grupo, a formação conta com Warti (Guitarra), César Faria (Baixo ) e Netto Cruanes (Bateria), que demonstram absoluta competência e a mesma pegada excitante que, inclusive , permitiu abrir o show e dividir o palco com o DR. SIN, recentemente. O DON CROOKANE gravou em estúdio um cd com quatro músicas bem selecionadas executadas: Tie your Mother Down (Queen), The Ocean (Led Zeppelin), School ‘s Out (Alice Cooper) e My Generation (The Who), deixando acreditar que estão mais do que prontos para a trilhar o caminho das suas próprias composições. Confira a agenda, repertório, fotos e muito mais no link http://www.doncrookane.com.br/ e não perca a oportunidade de vê-los.

DON CROOKANE no Myspace: http://www.myspace.com/doncrookane

TOMA-ROCK: http://www.tomarock.com.br/

Vila Dionísio: http://www.viladionisio.com.br/riopreto/index.php

Por Adriano C. Tardoque

LUTHIER ROBERTO HOLZ: O BRASILEIRO DOS INSTRUMENTOS MEDIEVAIS E RENASCENTISTAS - 30/01/2009

2010-07-28T20:59:00.000-07:00

No dia 22 de agosto de 2008, com os amigos Jon Itcaina e Marcos Laet, tive a oportunidade de visitar o Luthier Sr. Roberto Holz e conhecer algumas peças de sua bela coleção e instrumentos que confecciona. Seu excepcional trabalho tem como principal característica a manutenção da tradição artesanal da construção de instrumentos, sem fazer uso de tecnologia, tendo em mãos reproduções de ferramentas tipicas da Idade Média, que ele mesmo fabricou. A brilhante eficiência na reprodução de instrumentos musicais de sopro é viabilizada pelo profundo amor ao que faz (a trinta anos atrás, deixou a profissão de arquiteto aos 28 anos, para se dedicar a esta arte) e por sua incansável pesquisa de referencias em livros, gravuras, partituras e museus, pelo Brasil e pelo mundo. Fluente em seis idiomas, Holz já fez trabalhos para algumas das principais orquestras do mundo. Conhecedor profundo das estruturas e execuções musicais, não produz instrumentos para enfeitar ambientes ou paredes: seu trabalho é destinado a músicos que façam uso da peça com a sua finalidade fundamental que é a música.

A MÚSICA: UM BREVE OLHAR SOBRE A CONSTRUÇÃO CULTURAL - 30/01/2009

2010-07-28T20:50:00.000-07:00

Quando acontece a execução de uma música, não somente está em voga um meio de levar ao ouvinte a recordação de sentimentos, sensações e momentos: tocadas as notas por um instrumento solo, pela união com outros instrumentos ou pela soma com uma poesia de alguma língua peculiar, abre-se uma fenda atemporal que adiciona às reações pessoais de cada indivíduo a um processo de construção histórico-cultural, deste que é um dos principais meios da expressão humana. Talvez a música seja a mais democrática de todas as manifestações humanas, por sua capacidade de inserção do seu apreciador na sua construção enquanto parte da identidade de um povo ou etnia, sendo este seu potencial propagador e reprodutor após uma simples audição. Se o conceito de erudição se faz enquanto o pleno reconhecimento das etapas e movimentos de obras musicais clássicas, é facilmente aplicável o papel de “erudito” a todo aquele que reconhece, aprecia e vivencia a obra musical no decorrer de sua existência cumulativa, enquanto código construído pela sociedade, em suas instâncias regionais, nacionais e internacionais. E se não bastasse à pluralidade da capacidade da música em representar enquanto apresentada, existe a genial subversão da ordem do reconhecimento erudito pela improvisação, que se caracterizou, sobretudo pelo Jazz, no começo do século XX, trazendo novas perspectivas e nuances para inspiração das gerações que se sucedem. Assim, o peso cultural da música enquanto construção social, em suas rupturas e permanências é um dos principais pontos que a tornam sempre um tema atual, dinâmico e excitante.